Il suo stile è decisamente riconoscibile e mescola continuamente la fotografia con la regia, ma anche con la pittura e la sequenza cinematografica. Come potrai vedere nella mostra Eveningside, per realizzare i suoi scatti Gregory Crewdson muove interi tir di attrezzatura e persone, utilizzando in maniera precisa e sapiente enormi fonti di luce, talvolta alternandole alla luce naturale. Le sue fotografie sono spesso un’indagine rispetto a quello che si cela dietro al sogno americano e sono realizzate utilizzando come scenografia case e quartieri degli Stati Uniti.

La mostra Eveningside è allestita nella bellissima cornice delle Gallerie d’Italia a Torino.

Breve biografia di Gregory Crewdson ^

Gregory Crewdson nasce il 26 settembre 1962 negli Stati Uniti, a Brooklyn. Figlio di uno psicanalista, sostiene che alcune confidenze relative ai pazienti del padre lo hanno portato a realizzare le sue fotografie a metà tra il cinema fantastico e serie televisive. Già in giovane età ha ben chiaro che la fotografia è la sua grande passione, infatti studia fotografia al Purchase College e poi si diploma nel 1988 alla Yale University conseguendo un master of fine arts in fotografia.

Si interessa però a varie arti e media, tanto che da giovane fa parte di un gruppo punk rock chiamato The Speedies, di cui uno dei più celebri successi è Let Me Take Your Photo.

Gregory Crewdson, nei suoi lavori, predilige i contesti urbani degli Stati Uniti rifacendosi ad altri celebri artisti iconografici, quali David Lynch ed Edward Hopper. Gregory Crewdson è altresì influenzato dalla pittura europea e statunitense dell’ottocento.

Alla sua carriera d’artista Gregory Crewdson associa quella di insegnante. Dal 1993 è stato infatti docente in varie scuole di New York, fino a tornare alla Yale University ad insegnare fotografia.

Già dal 1988 inizia a portare le sue fotografie in mostra in America, e nel 1995 approda anche in Europa con la sua prima mostra a Londra. Da lì inizia l’esplosione della sua carriera e viene esposto in tutto il mondo.

Tra le serie più famose di Gregory Crewdson ci sono Twilight, realizzata tra il 1998 e il 2002, Dream house del 2002, Beneath the roses realizzata tra il 2003 e il 2008 e Cathedral of the pines prodotta tra il 2012 e il 2014. I budget spesi per questi lavori sono enormi, perché strade, case e interni sono completamente ricostruiti o rivisti per dare vita alle sue scene. In altri casi le fotografie sono scattate direttamente all’esterno, scegliendo piccoli contesti rurali come le cittadine di Pittsfield, Massachusetts e Lee.

Per ogni scatto sono impiegate innumerevoli professionalità, da truccatori a stilisti fino a decoratori e lighting designer. Vedendo le foto in mostra ad Eveningside a Torino riuscirai a renderti conto dell’immenso lavoro dietro a ogni singolo scatto. Sarai inoltre incuriosito dalle storie che le fotografie evocano, dove sembra di essere immersi in un film di cui si è perso l’inizio.

L’artista risiede ancora oggi a New York, dove ha aperto uno studio.

La mostra Eveningside a Torino ^

La mostra Eveningside racchiude i lavori di Gregory Crewdson prodotti tra il 2012 e il 2022 in una sorta di trilogia. Cathedral of the pines è la prima, a cui fanno seguito An Eclipse of Moths, realizzata tra il 2018 e il 2019 e, appunto, Eveningside.

Gli spazi delle Gallerie d’Italia nella sede di Torino sono ampi e suggestivi e le grandi sale ben accolgono le stampe in grande formato di Gregory Crewdson. Dopo le quattro serie esposte scenderai in una stanza immersiva, dove proiettori su quattro lati trasmettono immagini dei progetti e un interessante documentario, titolato Making Eveningside, girato durante gli scatti dell’ultima serie Eveningside. Questo ti permetterà di capire al meglio la metodologia di lavoro di questo artista.

L’ultima serie Eveningside è stata prodotta grazie al contributo di Gallerie d’Italia e di Intesa Sanpaolo ed è presentata in anteprima mondiale qui a Torino.

Le opere in mostra ad Eveningside ^

La mostra Evengside raccoglie i lavori di Gregory Crewdson prodotti tra il 2012 e il 2022 all’interno di una trilogia. Inoltre sono esposte alcuni scatti della precedente serie Fireflies.

Ad eccezione della serie Fireflis, nei suoi lavori i protagonisti sono sempre le persone, isolate dentro ai confini della loro vita quotidiana in atmosfere tanto misteriose quanto interrogative. Particolare è sapere che in molte fotografie compaiono anche la compagna e i figli dell’artista.

Nelle sue opere Gregory Crewdson descrive la middle America, ritraendo un tessuto composto da cittadine di modeste dimensioni e aree suburbane a diretto contatto con quelle rurali. Un’America con gli occhi sgranati sulle luci di un sogno americano ormai svanito. Tutte le sue fotografie sono un ottimo esempio di staged photography, dove la scena è ricomposta e studiata nei minimi dettagli dall’artista ricorrendo anche ad equipaggiamenti e troupe degne di una produzione cinematografica.

Ecco le quattro serie che potrai vedere in mostra ad Eveningside.

Fireflies ^

La mostra Eveningside alle Gallerie d’Italia di Torino si apre con la serie Fireflies, realizzata nel 1996. Qui Gregory Crewdson utilizza due macchine fotografiche analogiche con pellicola in bianco e nero e immortala alcune lucciole. La scelta di esporre anche questo progetto dell’artista rappresenta la volontà del curatore di mettere a confronto lo stesso occhio e la stessa sensibilità di Gregory Crewdson ma in due momenti diversi della sua vita personale e professionale e con due tipologie di attreazzature decisamente differenti. Da una parte, nelle nuove serie, con un equipaggiamento degno di una produzione cinematografica. Dall’altra, in Fireflies con solo alcune macchine fotografiche analogiche.

Nell’estate 1996 Gregory Crewdson scatta le ben settantuno fotografie che compongono il progetto Fireflies. Questa serie non è stata preparata prima ne studiata al dettaglio come invece farà con le produzioni successive.

Quando decise di scattare le fotografie alle lucciole, Gregory Crewdson era in un periodo di smarrimento sentimentale. Si rifugiò all’interno di un cottage di famiglia a Becket, dentro ai boschi del Massachusetts. Nelle fotografie alterna due tecniche. Da una parte delle istantanee che riprendono le lucciole nel loro momento di splendore. Dall’altra l’utilizzo di tempi lunghi crea delle sciee che mostrano le direzioni intraprese da questi animali spettacolari. In queste ultime intrappola gli animali dentro a barattoli di vetro, zanzariere o sottili reti.

Nella loro semplicità questi animali creano una sorta di tessuto connettivo che affascina Gregory Crewdson e che stimola le sue doti da contemplatore.

Cathedral of the Pines ^

La prima serie della trilogia esposta in Eveningside è Cathedral of the Pines. Questa risale agli anni tra il 2012 e il 2014, quando Gregory Crewdson torna nel cottage di Becket, da dove era partito per scattare le fotografie di Fireflies. Ancora una volta l’artista torna qui, in questi luoghi che gli furono cari da bambino, per superare un periodo personale difficile, in cui dovette far fronte ad una separazione.

Se per Fireflies arrivò qui in un momento di profonda solitudine, in questo caso il ritorno a Becket rappresentò la ripresa del suo lavoro, dopo circa tre anni di profonda staticità e impossibilità di dedicarsi alla produzione artistica. Quest’interruzione, causata da accadimenti privati, hanno indotto Gregory Crewdson a spostarsi da New York e ad andare a vivere in una chiesa sconsacrata a Great Barrington, a poca distanza da Becket.

Per la prima volta Gregory Crewdson lascia le grandi riproduzioni di ambienti in studio e si dirige all’esterno. La scenografia di questi scatti sono il grande bosco di pini e le sue abitazioni suggestive. All’inizio del progetto l’artista dichiarava: “Il mio prossimo progetto avrà come scenaria il Massachusetts. Nessun set cinematografico. Ho voglia di lavorare in interni. Cerco una sorta di isolamento. Tutte le foto saranno scattata con una macchina digitale ma la luce sarà ancora fondamentale. Ci saranno dei soggetti umani. Ci sarà una dimensione più psicologica. Sarà un lavoro meno sofisticato. Più intimo. Il tono sarà più sommesso.”.

In queste fotografie, realizzate nell’arco di tre sessioni di sei settimane tra il 2012 e il 2014 non manca ovviamente il tocco dell’artista, dove le foreste remote e solitarie fanno da sfondo a scene in cui i protagonisti sembrano nel bel mezzo di drammi esistenziali.

L’intero progetto ha preso il via duranta una giornata in cui l’artista faceva sci di fondo tra i boschi. Fu in quella occasione che si imbattè in un sentiero indicato da un cartello come “Cathedral of the Pines“. In quel momento si accese una lampadina e Gregory Crewdson disse: “ho avuto una rivelazione, una visione estremamente precisa di una serie di foto. Mi sono detto che avrei dovuto scattarle qui, a Becket, con una troupe ridotta, e che il tema di fondo sarebbe stato la ricerca di un rifugio.”.

La scelta di far comparire negli scatti sia la compagna Juliane Hiam, a cui la serie è dedicata, che i suoi figli, rende questo progetto maggiormente legato alla dimensione affettiva dell’artista.

An Eclipse of Moths ^

An Eclipse of Moths è la seconda serie della trilogia. Questa si trova esposta in una grande e unica sala. Il contesto qui ritratto è ancora quello esterno, dove l’ambiente naturale lascia il passo a paesaggi post-industriali. Rimangono però anche in questa serie di scatti le scene ambigue e ricche di tensione a lasciare noi visitatori incollati alle fotografie.

An Eclipse of Moths è stata prodotta tra il 2018 e il 2019. I territori sono ancora quelli della sua infanzia. Infatti queste fotografie sono state scattate a circa una ventina di chilometri da Becket, a Pittsfield. Questa è la cittadina natale della compagna dell’artista, Juliane Hiam. I suoi genitori lavoravano per la General Electric, che all’epoca occupava la maggior parte dei cittadini della zona.

Alla fine degli anni ottanta l’azienda chiuse i battenti e ciò causò il collasso economico di Pittsfield. Il titolo An Eclipse of Moths, l’eclissi delle falene, alledue sia alla scomparsa delle lucciole ritratte nel suo primo progetto, che all’abbandono di un’intera città che ha visto progressivamente spegnersi le sue luci.

A differenze dei progetti precedenti, in questo Gregory Crewdson aggiunge anche una connotazione politica, mai esplicita nei suoi lavori.

L’artista impiega i mezzi più elaborati per creare un mondo la cui innegabile bellezza si riversa negli occhi di chi la osserva, selezionando ad hoc gli oggetti utilizzati nelle sue ambientazioni e senza esitare nel costruire scenografie complesse. Queste fotografie giocano con illuminazioni impossibili o lievissime modifiche imposte ai siti naturali. In Alone street è presente un cartello quasi cancellato che riporta il nome di una strada immaginaria “Maloney street“, in cui si legge chiaramente la parola alone.

Nello scatto Royal Cleaners è l’insegna Melville Street a rimandare agli anni trascorsi dal celebre scrittore Herman Melville a Pittsfield, anni in cui scrisse il capolavoro Moby Dick.

Per questi scatti Gregory Crewdson ha fatto sì che l’erba venisse fatta crescere per settimane prima di scattare il suo progetto, per aumentare il senso di abbandono reso nelle fotografie. Inserisce inoltre diverse Easter Eggs nelle sue fotografie. In ben tre scatti compare un auto targata 888 CHG, un gioco in cui si mescono le sue iniziali e quelle della moglie.

Nella serie An Eclipse of Moths c’è un ritorno alla produzione più cinematografica. L’espansione del formato è accompagnata da un aumento delle distanze tra gli individui. Questi sono gli anni della presidenza Trump e i progetti intimi lasciano spazio a soggetti letargici, frastornati e disorientati, come falene che non sanno più quale luce seguire. In queste fotografie ritroverai spesso descritta un’umanità che dissemina una successione di indizi concernenti una società che non cammina più con le sue gambe. Questi rimandi sono presenti letteralmente attraverso persone con deambulatori, sedie a rotelle, gambe spezzate, ambulanze e barelle. All’onnipotenza del mondo globalizzato si contrappone l’impotenza di chi lo abita.

Eveningside ^

L’ultima serie della trilogia è Eveningside, realizzata tra il 2021 e il 2022. Gregory Crewdson abbandona qui il colore e si dà al bianco e nero, ricreando scene tipiche del cinema noir classico e richiamando la tradizione del bianco e nero in fotografia.

Ancora una volta, con questa serie, Gregory Crewdson sceglie le località tra Becket e Pittsfield come scenografia. Queste cittadine, insieme, restituiscono una città composita, ibrida e generica.

Eveningside rappresenta sia una sintesi che il culmine della trilogia iniziata con Cathedral of the Pines e continuata con An Eclipse of Moths. Ancora una volta è il cinema a influenzare Gregory Crewdson, che in queste fotografie si rifà ai forti contrasti di luce dei film noir degli anni quaranta e cinquanta, eredi diretti dell’espressionismo tedesco degli anni venti.

Con Eveningside c’è una netta scissione estetica e cromatica la cui coerenza va oltre alla trilogia che completa. L’occhio di noi fruitori rimane abbagliato dall’espressività pittorica di queste fotografie e la mente si interroga su quanto ogni scenografia sia stata studiata e modificata. Le città qui rappresentata è una città fittizia, una somma di tutte le città realmente esistenti e una sintesi delle sfere intime e politiche esplorate nelle due serie precedenti.

Eveningside è anche una riflessione su cosa rappresenti una società: il senso di appartenenza e la presa di distanza. Il rapporto tra interiorità individuale e il legame con la comunità. Il declino inesorabile che ha fatto calare l’oscurità su strade ancora frequentate da qualche passante che lascia trasparire ancora una flebile speranza nel futuro.

Nelle fotografie spesso i personaggi sono ritratti con indosso abiti che chiariscono la loro professione, all’interno dei rispettivi posti di lavoro o in relazione con gli stessi. L’impressione è inoltre che i luoghi in cui sono immortalati rappresentino allo stesso tempo una sensazione di stabilità, ma anche di desolazione.

Anche in questa serie compaiono la compagna e i figli dell’artista, come a rimarcare il passaggio del tempo e l’invecchiamento delle persone. Ciò crea anche una temporalità che viene scandita dalle serie fotografiche di Gregory Crewdson.

Orari e giorni di apertura della mostra di Gregory Crewdson ^

La mostra Eveningside di Gregory Crewdson alle Gallerie d’Italia di Torino è aperta dal 12 ottobre 2022 al 22 gennaio 2023.

Gli orari di apertura sono dal Martedì alla Domenica dalle 9.30 alle 19.30. Il Mercoledì l’apertura è prolungata fino alle 22.30. Il lunedì è giorno di chiusura.

L’ultimo ingresso è previsto un’ora e mezza prima dell’orario di chiusura.

Prezzi della mostra di Gregory Crewdson ^

Il prezzo dei biglietti per la mostra di Gregory Crewdson è di 10€ per il biglietto intero e 8€ per il biglietto ridotto. Il ridotto scende a 5€ per i minori di 26 anni, mentre l’accesso è gratuito per i minori di 18 anni, i dipendenti del Gruppo Intesa Sanpaolo, le scuole e i possessori dell’abbonamento musei Piemonte.

Il biglietto per la mostra di Gregory Crewdson ti dà la possibilità di vedere anche le altre mostre in programma in questa sede delle Gallerie d’Italia.

Le Gallerie d’Italia – Torino ^

Le Gallerie d’Italia sono un progetto legato all’arte che unisce quattro città: Milano, Napoli, Torino e Vicenza. Qui, all’interno di palazzi bellissimi, trovano posto importanti mostre permanenti e temporanee. Lo scopo di questi musei è quello di coinvolgere la cittadinanza anche attraverso una serie di eventi collaterali, conferenze, concerti ed eventi.

La sede di Torino è l’ultima nata e segue quella di Vicenza (1999), Napoli (2007) e Milano (2011). Le Gallerie d’Italia di Torino hanno aperto i battenti nel maggio 2022, all’interno del bellissimo palazzo seicentesco Turinetti di Pertengo, rivisto per l’occasione dall’architetto Michele De Lucchi.
L’edificio era stato commissionato dal marchese Giorgio Turinetti di Priero, banchiere del Ducato di Savoia e si affaccia su piazza San Carlo attraverso un lungo porticato. Questo palazzo, insieme agli altri qui costruiti, serviva a dare un senso di armonia al luogo rinomato come salotto della città.

Purtroppo durante la seconda guerra mondiale il palazzo Turinetti incorre in gravi danni e per questo motivo nel cortile interno puoi trovare fabbricati moderni, realizzati negli anni sessanta.

La sede delle Gallerie d’Italia di Torino è dedicata alla fotografia e all’arte video nell’intento di promuovere temi sull’evoluzione e la sostenibilità.

Al piano nobile non mancano anche opere del barocco piemontese, come dipinti, arazzi, sculture e arredi dal trecento al settecento. Tra i pezzi più celebri ci sono nove grandi dipinti realizzati nel seicento per l’antico oratorio della Compagnia di San Paolo.

Il pian terreno ospita un chiostro all’aperto su cui si affacciano una libreria, il caffè e il ristorante. Al piano nobile sono ospitate le opere che vanno dal XIV al XVIII secolo. Nei tre piani interrati sono esposte le mostre temporanee, l’archivio Publifoto di Intesa Sanpaolo e una grandissima sala immersiva.

Celebre per i suoi servizi sui travestiti di Genova e sul parto naturale, ha girato mezzo mondo facendo reportage e occupandosi degli ultimi. La mostra di Torino è una celebrazione della vita di quest’artista recentemente scomparsa e unisce le sue passioni all’interno del percorso di visita.

Breve biografia di Lisetta Carmi ^

Annalisa Carmi, vero nome di Lisetta Carmi, è nata il 15 febbraio del 1924 da una famiglia borghese di origine ebraica. Terza di tre figli, trascorre la sua infanzia a Genova.

All’età di 10 anni inizia gli studi di pianoforte, passione che la accompagna per tutta la vita. A seguito della promulgazione delle leggi razziali fasciste, all’età di 14 anni deve ritirarsi da scuola e inizia a soffrire di solitudine anche a causa dell’allontanamento dei fratelli, mandati a studiare nella Svizzera tedesca. Il pianoforte rimane il suo unico svago e continua a studiarlo fino a diplomarsi al conservatorio di Genova.

Con l’avanzare della guerra cerca riparo insieme alla sua famiglia in provincia di Alessandria, dove il padre fa trasferire anche il pianoforte per permetterle di continuare gli studi. Le persecuzioni non terminarono in fretta e per sfuggire ai fascisti la famiglia si trasferì a Zurigo, dove Lisetta Carmi continuò a studiare pianoforte al conservatorio cittadino. Alla fine del conflitto tornò a Genova e nel 1946 si diplomò anche al conservatorio di Milano.

La carriera da pianista ^

Inizia così una grande carriera da pianista, che la porta a girare tutta l’Europa e a fare concerti anche ad Israele. La sua carriera si conclude però bruscamente quando decide di prendere parte allo sciopero di protesta contro la convocazione a Genova del sesto congresso del Movimento Sociale Italiano del 30 giugno 1960. Il suo maestro di piano, Alfredo They, spaventato per la sua incolumità fisica, le consigliò di astenersi, ma lei rispose che “se le mie mani erano più importanti del resto dell’umanità avrei smesso di suonare il pianoforte“. E così fece.

La carriera da fotografa ^

Nel 1960, dopo aver smesso con il pianoforte, si avvicinò alla fotografia. L’occasione fu un viaggio in Puglia con l’amico Leo Levi, il quale voleva registrare dei canti della comunità ebraica di San Nicandro Garganico. Lisetta, decisa a documentare il viaggio, acquistò la sua prima macchina fotografica, un’Agfa Silette con nove rullini.

Le sue foto vennero molto apprezzate, tanto che decise di studiare fotografia a Berna, affidandosi ad un fotografo amico del fratello, Kurt Blum. Qui apprese i rudimenti della stampa e dello sviluppo fotografico, ma anche la filosofia di guardare sempre cosa c’è dietro alla scena che si intende immortalare. La fotografia diventa per Lisetta Carmi lo strumento per ricercare la verità.

Dal 1962 lavorò per tre anni come fotografa di scena al teatro Duse di Genova, conoscendo così numerosi artisti. Tre anni più tardi realizzò un reportage in Sardegna e creò un’opera grafica dedicata al Quaderno Musicale di Annalibera di Luigi Dallapiccola, unendo la sua passione per la fotografia con quella per la musica.

La carriera da fotografa di Lisetta Carmie era appena cominciata e andava già a gonfie vele. Lo stesso comune di Genova la assunse per alcuni servizi fotografici e l’artista entrò in contatto con alcuni gruppi di avanguardie artistiche. Grazie alle sue conoscenze riuscì a realizzare numerosissimi progetti fotografici sia in Italia che all’estero.

Il cambio di vita ^

Fu proprio durante uno dei suoi viaggi in oriente che Lisetta Carmi conobbe il maestro yogi indiano Babaji. Ne rimase così colpita da decidere di cambiare vita. Nel 1979 comprò un trullo e fondò l’ashram Bhole Baba a Cisternino, ovvero un luogo di meditazione tipico della tradizione indiana. Cominciò così una vita di meditazione e diffuse gli insegnamenti del suo maestro.

Sempre più affascinata dalla cultura orientale prese a studiare la riproduzione della calligrafia cinese.

La morte di Lisetta Carmi ^

Lisetta Carmi è deceduta il 5 luglio 2022 a Cisternino, all’età di 98 anni.

La mostra Lisetta Carmi. Suonare Forte a Torino ^

La mostra Lisetta Carmi. Suonare Forte con le fotografie di Lisetta Carmi è allestita nei bellissimi spazi delle Gallerie d’Italia nella sede di Torino.

Questa mostra rientra nel progetto “La Grande Fotografia Italiana“. Seguito dal curatore Roberto Koch, il progetto ha lo scopo di far conoscere alcuni grandi nomi della fotografia italiana attraverso mostre allestite in questo spazio torinese dedicato alla fotografia.

La mostra su Lisetta Carmi è il primo appuntamento e il titolo Lisetta Carmi. Suonare Forte è stato scelto per evocare sia la sua formazione come pianista, che i suoi continui cambi di vita, tutti nella direzione di dare voce agli ultimi.

I progetti fotografici in mostra sono arricchitti dai commenti dell’artista, attraverso dei video registrati prima della sua morte. Alcuni sono disponibili direttamente su schermi in loco, altri puoi invece vederli inquadrando un QRcode esposto all’inizio dei progetti.

Le fotografie di Lisetta Carmi ^

Nella mostra Lisetta Carmi. Suonare Forte sono esposte oltre 150 fotografie che fanno parte del repertorio dell’artista. Queste sono state scattate tra gli anni sessanta e settanta e comprendono i suoi progetti più importanti.

Non può mancare quello su “I travestiti“, che ha reso celebre Lisetta Carmi e i cui scatti sono raccolti in un libro, ma anche il progetto sul parto naturale e tante altre documentazioni celebri.

Il percorso della mostra Lisetta Carmi. Suonare Forte è diviso in otto sezioni. Come nella vita dell’artista anche nell’esposizione la musica gioca un ruolo fondamentale, tanto che in due sezioni vengono diffuse le canzoni di Luigi Nono e Luigi Dallapiccola.

Donne ^

La mostra Lisetta Carmi. Suonare Forte si apre con la serie di fotografie sulle donne. Scattate tra il 1962 e il 1977 queste opere sono frutto dei frequenti viaggi dell’artista.

Da Israele all’India, dall’Afghanistan al Venezuela, dal Marocco al Messico, Lisetta Carmi utilizza la fotografia come strumento per capire e raccontare il mondo.

I suoi scatti sono immagini istantanee, non posate, capaci di cogliere un sorriso e la dignità delle persone ritratte. La figura della donna è spesso al centro della sua attenzione e viene colta e trasmessa in questa raccolta di foto che rappresenta un viaggio intorno al mondo e che sottolinea differenze e similitudini tra culture differenti attraverso gli occhi delle donne.

Il parto ^

Tra i progetti più celebri dell’intera produzione di Lisetta Carmi c’è Il parto. Questo è il frutto di una commissione all’artista da parte del comune di Genova.

Lisetta Carmi si reca all’ospedale Galleria il 19 ottobre 1968 e scatta una sequenza di immagini che documentano il parto di una giovane donna alla quale non era stato chiesto preventivamente il permesso e che, racconta l’artista, le chiederà il perché della sua presenza e delle fotografie.

Per l’epoca la posizione di Lisetta Carmi è straordinariamente diretta. Si mette frontalmente alle gambe aperte della partoriente e scatta una sequenza di fotografie che ritraggono uno dei momenti più importanti della vita di quella donna.

Il progetto documenta le varie fasi del parto e si conclude con quelle del neonato appena nato. Nel racconto dell’artista, presente in mostra attraverso un video, c’è la gratitudine sia per la donna sia per i medici che le hanno dato l’opportunità di documentare questo momento.

Erotismo e autoritarismo a Staglieno ^

Davanti alle immagini del parto ci sono quelle raccolte sotto al titolo Erostimo e autoritarismo a Staglieno. In questa breve serie di fotografie, datate 1966, Lisetta Carmi ritrae delle statue del cimitero monumentale di Genova.

Lisetta Carmi indaga sul desiderio patriarcale della ricca borghesia di eternarsi nel marmo, affermando il proprio potere maschilista anche attraverso la rappresentazione erotica del corpo nudo femminile in monumenti funebri di fine ottocento.

Ezra Pound ^

Nella mostra Lisetta Carmi. Suonare forte ci sono anche dodici scatti dei venti fatti nel 1966 ad Ezra Pound nel veloce incontro avuto a Sant’Ambrogio di Zoagli. Ezra Pound fu un importante poeta, saggista e traduttore statunitense che visse buona parte della sua vita in Italia.

Con queste fotografie l’artista vince il premio Niépce per l’Italia. Umberto Eco era membro della giuria e commentò la serie dicendo che “questa sequenza di Lisetta Carmi dice di Ezra Pound più di tutti gli articoli scritti su di lui, la sua complessità e natura straordinaria”.

Il lavoro ^

Nella serie di fotografie raccolte sotto il titolo Il Lavoro sono raccolti parecchi scatti risalenti agli anni tra il 1962 e il 1976. Nel porto di Genova, fingendosi parente di un portuale, Lisetta Carmi realizza un ampio e intenso documentario fotografico sulle dure condizioni dei lavoratori qui impiegati.

In questi scatti sono mostrati gli operai dediti allo scarico dei fosfati dalle stive e le faticose movimentazioni delle merci.

Una piccola sezione è dedicata allo stabilimento Italsider, dove Lisetta Carmi si avventura all’interno delle acciaierie.

Altre fotografie testimoniano invece il lavoro femminile nei sugherifici di Calangianus e sono frutto dei viaggi fatti dall’artista in Sardegna. Qui Lisetta Carmi si ricongiunge a un altro dei temi a lei cari, quello delle donne e del loro contributo all’interno della società.

Con le sue fotografie Lisetta Carmi aderisce alle problematiche sociali dell’occupazione e delle classi operaie e attraverso il suo obiettivo trasforma la condizione umana in verità e bellezza.

Métropolitain ^

La mostra continua con la serie Métropolitain, risalente al dicembre 1965. È in questo mese che Lisetta Carmi realizza un corposo reportage all’interno della metropolitana di Parigi. Tornata a Genova seleziona circa una quarantina di immagini che fa stampare e con queste compone un volume di grandi dimensioni realizzato in un’unica copia.

Una custodia realizzata in cartone e ricoperta da immagini a grandezza naturale delle piastrelle della metropolitana racchiude un menabò del volume. Alle 42 fotografie originali l’artista alterna pagine ritagliate dal volume Instantanes di Alain Robbe-Grillet.

È proprio con Métropolitain che nel 1966 Lisetta Carmi si aggiudica il secondo premio per la cultura nella fotografia a Fermo.

I travestiti ^

Un’altra serie a rendere celebre Lisetta Carmi è quella sui travestiti, realizzata tra il 1965 e il 1971. Questo lungo racconto per immagini prende vita la notte del 31 dicembre 1965 all’interno della comunità di travestiti del centro di Genova.

Questo è il primo momento in cui Lisetta Carmi scatte loro delle fotografie, ma continuerà poi a farlo per i successivi sei anni, condividendo tutti i momenti della loro quotidianità. Quello che lei stessa sostiene è che “non esistino gli uomini e le donne, esistono gli esseri umani”. Riguardo a questo progetto aggiunge inoltre che “i travestiti … mi hanno aiutato ad accettarmi per quello che sono: una persona che vive senza ruolo. Osservare i travestiti mi ha fatto capire che tutto ciò che è maschile può essere anche femminile, e viceversa. Non esistono comportamenti obbligati, se non in una tradizione autoritaria che ci viene imposta fin dall’infanzia”.

Come testimoniato dalle immagini in mostra, l’artista utilizzò due macchine fotografiche, una con pellicola in bianco e nero ed una con pellicola a colori.

Nel 1972 Lisetta Carmi pubblica un libro dal titolo I Travestiti. Questo segna per l’epoca una visione straordinaria e priva di pregiudizi.

Quaderno musicale di Annalibera ^

La mostra Lisetta Carmi. Suonare forte si conclude con il quaderno musicale di Annalibera. Risalente al 1962, con questo progetto fotografico l’artista ritorna alla sua passione per la musica. Non si tratta di fotografie vere e proprie, ma di foto-grafie. Il Quaderno musicale di Annalibera è una rivisitazione del lavoro di Luigi Dallapiccola.

Con questo progetto l’artista traduce le undici partiture musicali in undici fotogrammi astratti, realizzati graffiando il negativo nero. I negativi sono poi stati stampati in un fascicolo che la stessa artista rilega a mano in poche versioni, ognuna differente dall’altra. Queste si differenziano nell’impostazione grafica e nella dimensione.

I fogli sono datati Genova, 20 luglio 1962 e sono accompagnati da un testo in cui Lisetta Carmi racconta l’incontro a Firenze con il musicita, un’analisi del brano musicale e le motivazioni che l’hanno portata a realizzare questo lavoro.

La stessa Lisetta Carmi dichiara “Ho fatto questo lavoro per un’impellente necessità interiore. Avevo lasciato la musica – la forza divina che ha sempre guidato la mia vita – ed ero ormai una fotografa. Ho voluto creare un legame tra Dallapiccola, che amo, e il segno fotografico. Allora ho inventato una tecnica che mi consentisse di dare un significato grafico ad ogni pezzo del Quaderno musicale di Annalibera. Ho preso un negativo, l’ho esposto alla luce e l’ho sviluppato: è diventato nero. Poi l’ho graffiato e – mettendolo nell’obiettivo dell’ingranditore – ho scelto i segni che corrispondevano nella mia coscienza allo spirito dei vari pezzi. Ho stampato le undici immagini, ho scelto due fotografie (Dallapiccola e me stessa), ho scritto un testo, ho rilegato un fascicolo creando una specie di libro orizzontale. Questo è tutto”.

Orari di apertura della mostra di Lisetta Carmi ^

La mostra Lisetta Carmi. Suonare Forte con le fotografie di Lisetta Carmi va in scena alle Gallerie d’Italia di Torino dal 22 settembre 2022 al 22 gennaio 2023.

Gli orari di apertura sono dal martedì alla domenica dalle 9.30 alle 19.30. Il mercoledì l’orario di apertura è prolungato fino alle 22.30. L’ultimo ingresso è un’ora e mezza prima della chiusura.

Biglietti della mostra di Lisetta Carmi ^

I biglietti per la mostra di Lisetta Carmi a Torino costano 10€ per l’intero, 8€ per il ridotto e 5€ per il ridotto speciale riservato ai clienti del Gruppo Intesa Sanpaolo e ai minori di 26 anni.

L’ingresso è gratuito per i minore di 18 anni e i dipendenti del Gruppo Intesa Sanpaolo.

La mostra Civilization si concentra sui temi del presente e del futuro, caratterizati da una crescente globalizzazione ed interconnessione. Grazie agli scatti dei fotografi esposti, ti troverai a riflettere sulle conseguenze del nostro modo di vivere e di come produciamo e consumiamo, lavoriamo e giochiamo, viaggiamo e abitiamo, collaboriamo e ci scontriamo…

Civilization: vivere, sopravvivere, buon vivere – Una mostra internazionale ^

Il mondo in cui viviamo appare in costante evoluzione. La civiltà è sempre più veloce, le tecnologie sempre più complesse, cerchiamo di migliorare la nostra vita in una continua spirale che alle volte ci avvolge e risucchia.

Spesso le nuove scoperte hanno un rovescio della medaglia. Il consumismo, ad esempio, ci ha portato a una crisi ambientale e sociale, dove chi non consuma è tagliato fuori e chi consuma, spesso, danneggia irreparabilmente l’ambiente. Non siamo però disposti a fermarci pur di non perdere un briciolo dello stato acquisito. Vengono in nostro aiuto le nuove tecnologie, ma che se non usate adeguatamente possono ritorcersi contro. Il futurologo James Martin sostiene che questo sia il primo secolo in cui l’Homo Sapiens potrebbe essere eliminato.

Siamo sempre più connessi e le distanze risultano essere sempre più ridotte. La globalizzazione sta portando il mondo verso un’unica civiltà planetaria e Civilization è la testimonianza di fotografi sparsi per cinque continenti che documentano quotidiniamente dove stiamo andando. Quali sono i punti di forza e quali quelli di debolezza della nostra civilità, quali le conquiste e quali i fallimenti.

Quella di Forlì è l’unica tappa italiana di una mostra internazionale, già esposta a Seoul, Pechino, Auckland, Melbourne e Marsiglia.

Le opere in mostra ^

Le opere in mostra a Civilization sono 300 e occupano oltre due piani dei grandi musei San Domenico a Forlì. L’allestimento è estremamente curato e, cosa non scontata, l’illuminazione delle fotografie è notevole e rende pienamente leggibili anche quelle più scure.

Sono 130 i fotografi esposti in questa mostra e tra questi ci sono alcuni dei nomi più celebri del panorama internazionale contemporaneo: Alec Soth, Olivo Barbieri, Lee Friedlander, Mark Power, Massimo Vitali, Michael Wolf, Gabriele Galimberti, sono solo alcuni dei nomi che potrai ritrovare camminando tra le opere. Ogni opera, poi, è dotata di un qr-code che se inquadrato ti fornisce maggiori informazioni sullo scatto.

Il percorso della mostra è suddiviso in otto sezioni tematiche, esposte in maniera sequenziale ma tutte collegata tra loro.

Alveare ^

La prima sezione della mostra Civilization è stata chiamata Alveare. Con questo nome, utilizzato inizialmente dal romanziere Tom Wolfe per descrivere la vita frenetica della città di New York e poi diventato di uso comune per definire un qualsiasi agglomerato urbano, sono raccolte decine di fotografie che documentano la società che vive nelle città.

In questo secolo si è per la prima volta affermato il predominio dei grandi centri urbani sulle zone rurali. Nel XXI secolo, infatti, nei centri urbani vivono più persone che in tutte le altre aree abitate.

In questi alveari urbani la vita scorre frenetica e spesso i fotografi che hanno scattato le foto esposte nella mostra Civilization sono tra i cittadini di queste aree e si dilettano con le suggestioni visive offerte dal flusso incessante della folla.

Le fotografie in mostra in Alveare esplorano le reti urbani che danno forma alle città moderne, indagando sui complessi flussi di attività umane all’interno di contesti mutevoli.

Soli insieme ^

La seconda sezione della mostra Civilization è titolata Soli Insieme. Anche qui il riferimento è a un poeta, John Donne, che diceva che nessun uomo è un’isola.

Nella declinazione di questo concetto nelle foto in mostra a Civilization, si sottolinea l’aspetto che l’uomo è un animale sociale, alla ricerca di altre persone e partner con cui condividere la vita, interessi ed esperienze. Ognuno è interdipendente dall’altro. Tuttavia questi rapporti possono generare conflitti, incomprensioni e pressioni che portano spesso il singolo a volersi distinguere dalla folla.

Da non dimenticare però che, e qui subentra il concetto della solitudine, l’uomo nasce solo e solo se ne va da questo mondo.

La sezione Soli insieme è dedicata alle persone e alle loro relazioni. Qui le fotografie raccontano anche come la digitalizzazione influenzi i nostri rapporti.

Flusso ^

La sezione di fotografie raccolte sotto il nome di Flusso sono un esempio della velocità con cui la vita scorre quotidianamente, a ritmi nemmeno immaginabili fino a qualche decennio fa. Il denaro fa sì che tutto vada alla velocità della luce e che si rincorra una performance sempre migliore al fine di aumentare la redditività, spesso senza riflettere sull’eticità e sull’impatto di ciò che si sta compiendo.

Le fotografie qui esposte cercano di svelare le complessità delle intricate parti mobili della nostra civiltà. Qui sono rivelati i movimenti visibili e invisibili delle persone, delle merci e delle idee e di come ciò influenzi il nostro modo di vivere.

Persuasione ^

La persuasione è un’arma estremamente potente che, se messa nelle mani sbagliate, può fare enormi danni. Ogni giorno siamo bombardati da situazione persuasive, basti pensare alla pubblicità che è ormai in ogni dove e che cerca di convincerci ad aumentare i nostri consumi, spesso su cose di cui non abbiamo nemmeno bisogno.

La persuasione può essere un’azione sottile che passa per l’educazione e il confronto, o un’azione pesante, come nelle peggiori propagande politiche di cui spesso si è vittime inconsapevoli. E più la persuasione funziona più, spesso, passa in maniera trasparente senza che la popolazione si renda conto di essere condizionata.

Attraverso le fotografie di Civilization esposte in questa sezione, i fotografi cercano di rendere evidente le azioni persuasive in cui ci imbattiamo nella vita di tutti i giorni. Dalla pubblicità alla religione passando per la politica.

Controllo ^

Che cosa si intende per controllo? Il controllo è la modalità attraverso la quale una civilità protegge sé stessa sia verso minacce esterne che verso problematiche interne. Controllare significa tenere monitorata una situazione e decidere poi se e come intervenire per riportarla a quanto desiderato.

Il controllo in questi contesti viene spesso mascherato e nascosto sotto il pretesto della sicurezza. È però anche lo strumento che permette di innovare e far crescere un’esistenza comune e globalizzata.

Su larga scala il controllo è ad appannaggio di governi ed eserciti, che utilizzano strumenti quali leggi, corporazioni, istituzioni scolastiche e, in casi estremi (e da condannare) guerre per esercitare la loro missione. Nella vità quotidiana il cittadino si scontra con il controllo attraverso prigioni, tribunali, scuole, stazioni di polizia e tante altre piccole istituzioni private con cui inevitabilmente ci confrontiamo.

Nelle foto di Civilization qui esposte i fotografi mettono in evidenza i sistemi di controllo utilizzati, spesso e volentieri nascosti alla vista del pubblico.

Rottura ^

La sezione successiva della mostra Civilization è dedicata al tema della rottura. Nelle fotografie qui presenti la rottura è declinata in molti aspetti differenti tra loro. Violazione dei diritti umani, conflitti armati, problemi della collettività, rottura dell’ordine naturale sono solo alcuni dei temi trattati.

I fotografi hanno affrontato il tema della rottura sotto diversi punti di vista, in alcuni casi mettendo in scena gli scatti, in altri andando sul campo e rischiando anche la propria vita. I temi trattati vanno dalla crisi ambientale ai conflitti, dalle migrazioni di massa ai fallimenti dei sistemi politici e ideologici.

Attraverso questi scatti, la mostra Civilization ci invita ad interrogarci sulla nostra civilità e sui suoi fallimenti. Qui vengono esaminati i fenomeni di disgregazione sociale, evidenziando i fallimenti della civilizzazione.

Fuga ^

Il concetto di fuga può essere inteso in duplice maniera: da una parte c’è la liberazione fisica o emotiva (ad esempio la fuga per un weekend fuoriporta). Dall’altra c’è l’accezione negativa, dove la fuga rappresenta l’allontamento per sfuggire da una situazione sgradevole o pericolosa.

Negli scatti in mostra a Civilization molti richiamano il concetto positivo della fuga, dove il mondo occidentale cerca spesso momenti di distrazione e riposo scappando da una routine sempre più frenetica che ci coinvolge e stravolge.

Qui le fotografie raccontano i momenti di tempo libero delle persone, passando da parchi divertimento a navi da crociera e svelando i paradossi di una vera e propria industria del divertimento.

E poi… ^

La mostra Civilization si conclude con una riflessione su quello che si aspetta. Con la sezione e poi… potrai vedere uno spaccato del futuro che è già presente nei nostri giorni. Dalle auto senza conducente ai robot che spesso si rivelano più affidabili delle persone.

Ciò che un tempo era fantascienza ora sta diventano il presente, grazie a nuove tecnologie e a business sempre più proficui che si approcciano a questi mercati. È difficile prevedere come sarà il mondo e come saranno le persone da qui a qualche decina d’anni.

Negli scatti proposti si cerca, per lo meno, di mostrare il futuro imminente. Quello che oggi è solo un prototipo o un mercato di nicchia, ma che in poco tempo invaderà la vita di tutti noi e di tutti i giorni, cercando, spesso, di migliorarla.

Orari di apertura della mostra Civilization ^

La mostra Civilization ai musei San Domenico di Forlì va in scena dal 17 settembre 2022 all’8 gennaio 2023. È aperta tutti i giorni ad esclusione dei lunedì, del 25 dicembre e del 2 gennaio.

Gli orari di apertura sono dalle 9.30 alle 19.00, con ultimo ingresso un’ora prima della chiusura. Solo alcuni giorni effettuano orari particolari:

• il 24 e il 31 dicembre l’orario di apertura va dalle 9.30 alle 13.30;
• il 1 gennaio l’orario è dalle 14.30 alle 19.00;
• il 26 dicembre, nonostante sia un lunedì, la mostra rimarrà aperta dalle 9.30 alle 19.00.

Costi di ingresso alla mostra Civilization ^

La prenotazione non è obbligatoria ma, soprattutto nelle ultime settimane di apertura della mostra, potresti trovare fila. Il costo di ingresso è di:

• 13€ per l’intero;
• 11€ per il ridotto (studenti universitari, minori di 18 anni o maggiori di 65 anni, gruppi tra le 16 e le 25 persone);
• 21€ per lo speciale famiglia, con due adulti e un bambino al di sotto dei 14 anni;
• 28€ per lo speciale famiglia XL, con due adulti e due o tre bambini al di sotto dei 14 anni;
• omaggio per i bambini al di sotto dei 6 anni, disabili con accompagnatore, giornalisti con tesserino, guide turistiche con tesserino e un accompagnatore per gruppo.

Con lo stesso biglietto potrai accedere anche alle collezioni civiche permanenti ospitate al museo San Domenico e, entro due giorni, anche al museo civico di Palazzo Romagnoli.

Se acquistati in prevendita su TicketOne i biglietti hanno un aumento che va da 1€ a 1,5€ l’uno per i diritti della piattaforma.

Immagini luminose, colori saturi e corpi nudi sono solo alcune delle costanti del suo lavoro e, nella mostra I Believe in Miracles ospitata al MUDEC di Milano, si ritrovano tutte.

Chi è David LaChapelle – Biografia ^

David LaChapelle è un celebre fotografo americano. Classe 1963 è famoso per i suoi scatti nel campo pubblicitario e della moda, ma con uno stile che di frequente gli spalanca anche le porte dell’arte.

La sua formazione è nel campo artistico. Ha infatti frequentato la North Carolina School of the Arts e successivamente la School of the Arts di New York. Dopo essersi spostato a Londra ritorna a New York e inizia la sua carriera di fotografo.

A sostenerlo in questa scelta fu anche Andy Warhol, che gli offrì un primo incarico come fotografo per la rivista Interview Magazine di cui fece una copertina. Da lì furono piuttosto numerosi i servizi fotografici per celebri riviste, tra cui GQ, Vogue, Rolling Stone e il New York Times Magazine.

Ai lavori su commissione David LaChapelle affianca progetti personali che diventano i suoi scatti più conosciuti. Tutto è studiato al millimetro, dalla scenografia alle luci, dalla posizione delle persone ritratte ai significati che ogni fotografia vuole sottointendere. Lavorare per le riviste gli ha dato modo di entrare in contatto con celebrità che, sempre più frequentemente, entrano poi come personaggi principali nelle sue fotografie e in cui, spesso e volentieri, compaiono completamente nudi.

Il suo stile irriverente l’ha portato più volte ad essere criticato. Sia per una presenza continua di nudi, sia per l’affrontare in maniera profana alcuni temi legati alla religione.

Alla carriera di fotografo associa anche quella di regista con la produzione di alcune clip. Tra queste ci sono anche videoclip musicali, le promo delle prime stagioni di Desperate Housewives e di Lost e numerose campagne pubblicitarie.

Oggi David LaChapelle è ancora molto attivo e vive in una fattoria biologica alle Hawaii fondata da lui, completamente alimentata ad energia solare ed idrica e con l’obiettivo di dedicarsi interamente all’arte, prendendo una pausa dalla frenesia del mondo che lo circonda.

I personaggi celebri che hanno posato per David LaChapelle ^

È molto complesso fare un elenco esauriente dei personaggi che hanno posato per David LaChapelle. Durante la sua carriera è infatti entrato in contatto con numerosissime celebrità conosciute a livello mondiale e ancora oggi continua le sue collaborazioni.

Tra i personaggi più noti ad essere stati ritratti ci sono Courtney Love, Pamela Anderson, Madonna, Marilyn Manson, Leonardo di Caprio, Uma Thurman, Angelina Jolie, Lindsay Lohan, Sarah Jessica Parker, Eminem, Lady Gaga, Rihanna, David Beckham, Hillary Clinton, Whitney Houston…

Lo stile di David LaChapelle ^

Lo stile utilizzato da David LaChapelle nei suoi lavori è estremamente riconoscibile. Immagini dai colori saturi e luminosi, ritratti di persone (spesso personaggi celebri) in pose inconsuete o in situazioni bizzarre sono la sua cifra stilistica.

Nelle sue fotografie puoi ritrovare una certa ironia, con la quale l’autore guarda al mondo contemporaneo componendo immagini dense e piene di elementi, in cui ogni singolo dettaglio è studiato minuziosamente. Tra le tematiche affrontate più di frequente c’è una critica verso il sogno americano, la sua contemporaneità e la sostenibilità ambientale.

Spesso nelle sue produzioni ci sono influenze barocche e richiami all’arte del passato. Non a caso David LaChapelle cita tra le sue fonti di ispirazione Caravaggio e Andrea Pozzo, ma anche artisti contemporanei quali Jeff Koons e Cindy Sherman.

La mostra I Believe in Miracles al MUDEC di Milano ^

La mostra I Believe in Miracles è andata in scena dal 22 aprile all’11 settembre 2022 al MUDEC, il Museo delle Culture di Milano. In questa mostra sono presenti circa 90 opere fotografiche di David LaChapelle, provenienti da tutta la sua produzione.

I Believe in Miracles è una selezione inedita dei lavori, che racconta il percorso fatto dall’artista con un occhio particolare ai lavori che indagano sull’animo umano e sulle sue sfaccettature. Dolori, gioie, passioni, solitudini, ideali, rapporti con la società e con l’ambiente sono al centro della mostra. I curatori che si sono occupati della mostra sono Denis Curti e Reiner Opoku.

Quasi alla conclusione della mostra è presente un video da cui sono tratti alcuni degli scatti in esposizione.

Le opere di David LaChapelle ^

Le opere esposte all’interno della mostra I Believe in Miracles sono uno spaccato dell’intera produzione di David LaChapelle. Qui sono infatti raccolti lavori eseguiti durante tutta la sua carriera artistica.

Nelle 90 opere esposte rientrano un po’ tutti i temi cari all’artista e i soggetti sono piuttosto vari: si va dalle celebri fotografie a personaggi di fama internazionale a scene legate alla religione, dagli ambienti allagati alle nature morte, dai temi sociali e ambientali ai modellini.

C’è una costante però in tutta questa produzione, lo stile altamente riconoscibile dell’autore che, unito all’enorme capacità tecnica sull’illuminazione e a quella di rendere pop ogni suo scatto, lo ha consacrato come uno dei fotografi viventi più celebri.

La fotografia come esigenza ^

L’approccio alla fotografia di David LaChapelle ha un inizio drammatico. A 19 anni, nel 1982, iniziò una convivenza con il suo primo ragazzo a New York. A distanza di due anni questo è morto improvvisamente a causa dell’AIDS che, in quegli anni, era una malattia misteriosa. Nel giro di poco numerosi suoi amici cominciarono a morirne.

Lo stesso David LaChapelle confessa di essere stato convinto che non sarebbe vissuto oltre i 24 anni. Da lì nacque quasi un’ossessione di rispondere alla domanda “dove va a finire l’anima?“. Con questa necessità in mente lavorava in camera oscura dipingendo su negativi di immagini che raffiguravano elementi sacri, quali angeli, martiri, santi e miracoli. Le persone ritratte facevano parte della cerchia di amici e amanti dell’artista.

Nonostante alcuni di questi lavori possano essere considerati profani, David LaChapelle dichiara che la fede sia stata assolutamente necessaria per proseguire il suo lavoro e la sua vita.

Self-Portrait as House ^

Tra gli scatti esposti c’è Self-Portrait as House, del 2013. Si tratta di una ricca combinazione di scene all’interno di una casa che pare essere la classica casa delle bambole. Al suo interno, però, le situazioni che sono ritratte sono tutt’altro che rivolte ai bambini. Qui i personaggi sono travolti dai propri vizi e dal piacere, quasi a volere rimarcare una società attuale in disfacimento, della quale però raccoglie tutti i vizi. Il significato è molteplice, se da una parte può sottintendere che “chi è senza peccato scagli la prima pietra”, dall’altro potrebbe significare, ironicamente, che ciò che per molti è considerata una deriva, per alcuni è semplicemente libertà.

La fotografia è poi accompagnata da un testo redatto direttamente dall’artista che descrive le singole scene:

• La passione romantica era destinata
  A essere solo parte di me
  insufficiente a trascorrere la giornata
  Ma nell’isolamento ho trovato un modo
• L’uccello con ampie ali
  Rappresenta una pace
  Quando si posa, la bellezza sfiorita danza sotto il ramo
  La madre viene a farmi visita tra passeri e colombe
  E attraversa danzando la mia vita
  Con Gioia e Amore
• Nella Fede
  Trovo pace
  Non posso negare impulsi ancestrali
  Ma perché in me cresce quella collera?
  Sono molti uomini e combatto per molte parti
  Continuano a combattere finché non moriranno tutti
• Madre Terra
  Mi porti nel tuo grembo
  Mi nutri e poiché io sono te
  Attraverso la tua musica trovo il coraggio di respirare
  E mi appoggio a Renda nei momenti di grave bisogno
• Celebro la figura umana nella sua pienezza
  Ma ne evito per scelta il fascino grottesco
  E benché “magro e affamato” fosse un tempo il mio ideale
  Osservo questi mondi con distaccato ghigno
• Pronti a partire
  Quando siete liberi, siamo tutti liberi

Deluge ^

Con il trasferimento da Los Angeles alle Hawaii, David LaChapelle inizia un percorso di profonda riflessione che lo porta alla produzione di diverse opere in grande formato. Alla base dei suoi pensieri c’è l’idea che la vita stia volgendo al termine, ma in mezzo al caos ci si può aiutare vicendevolmente.

Tra le opere prodotte c’è Deluge, del 2006. Il diluvio è vissuto come metafora della perdita di tutto ciò che è materiale, ma anche della salute e del proprio corpo. È come trovarsi sul letto di morte con un’ultima possibilità di illuminazione.

Legati a questa tematica ci sono altri scatti, come After the Deluge: Cathedral, After the Deluge: Museum e After the Deluge: Statue, tutti del 2007. A distanza di diversi anni, David LaChapelle ha inoltre terminato Staircase to Paradise, nel 2020. In questa opera è presente una scala che gira a spirale intorno a una figura ispirata alla Madonna e rappresenta il percorso verso il paradiso. Qui l’autore vuole mostrare la bellezza dei misteri della fede.

L’influenza dell’arte classica ^

Nelle opere di David LaChapelle ci sono molti richiami all’arte classica e ai dipinti. Un esempio è l’influenza di Venere e Marte di Botticelli, quadro visto dal fotografo nel 2009. La scena dipinta è successiva a un rapporto sessuale dove Marte, dio della guerra, dorme sdraiato sulla sua corazza, mentre Venere, dea dell’amore, ha un’espressione insoddisfatta.

David LaChapelle ha pensato che le cose non sono cambiate poi tanto: avidità e guerra sono ancora più vive che mai e in contrasto all’amore e alla bellezza.

Il fotografo ha deciso di rimettere in scena in un suo scatto questo dipinto e, dopo aver assistito a un documentario sul commercio dell’oro, ha deciso di rappresentare la Venere come ragazza africana, siccome il continente di provenienza è continuamente saccheggiato e violentato per via delle sue risorse naturali.

Revelantions ^

Da poco prima della pandemia mondiale David LaChapelle ha cominciato il suo lavoro su Revelations, un progetto fotografico e video commissionatogli dall’artista Daphne Guinness. È infatti del 2019 lo scatto in cui due anziani si abbracciano e baciano in mezzo a una via abbandonata e con negozi dalle porte sbarrate. La scena è ispirata a una profezia biblica che parla della fine del mondo.

Lo scatto successivo è For Men Will Be Lovers of Self e risale a due anni dopo. Anche questo è ispirato a una profezia biblica che parla dell’amore per se stessi. “Devi anche sapere che negli ultimi tempi verranno momenti difficili. Gli uomini saranno egoisti, amanti del denaro, vanitosi, orgogliosi, bestemmiatori, ribelli ai genitori, ingrati, senza religione, senza amore, sleali, maldicenti, intemperanti, intrattabili, nemici del bene, traditori, sfrontati, accecati dall’orgoglio, attaccati ai piaceri più che a Dio, con la parvenza della pietà, mentre ne hanno rinnegata la forza interiore. Guardati bene da costoro!”.

A muovere David LaChapelle è la convinzione che nei due anni di pandemia si sia sviluppato un grande dolore, unito a una maggiore dipendenza dagli strumenti tecnologici. Le persone sono sempre più concentrare su loro stesse e su un imperante individualismo.

Spree ^

David LaChapelle dichiara di essere sempre stato attratto dall’escapismo e considera le crociere una sua forma. Nel 2019 inizia a realizzare un modellino di 35 centimetri di una mega-nave, ispirato dai resoconti della spedizione transantartica di Shackleton. L’obiettivo è quello di giocare con l’idea del rapporto tra uomo e natura, mettendo in scena una moderna nave del divertimento.

La grande nave di Spree è ritratta all’interno di un vasto paesaggio ghiacciato. Questo richiama alle visioni di David LaChapelle dove la natura si riprende i suoi spazi, un po’ come nella serie Gas del 2014 in cui ritrae stazione di servizio bonificate.

Durante il 2019 l’economia legato al turismo sulle navi da crociera era in forte espansione e si prevedeva che nel 2020 avrebbe fatto girare circa 35 miliardi di dollari, muovendo 32 milioni di passeggeri. A causa della pandemia arrivata in quell’anno, il progetto Spree ha iniziato ad assumere nuovi significati: lo scatto venne completato il 9 marzo 2020 ed esattamente dieci giorni dopo Los Angeles entrò in quarantena. A distanza di un mese venne poi emanato un ordine di divieto di navigazione nelle acque americane per le crociere.

Le nature morte ^

Un soggetto inconsueto nella produzione di David LaChapelle è quello delle nature morte. L’ultima sala della mostra I Believe in Miracles al MUDEC di Milano è interamente dedicata a questi lavori.

Qui sono esposte delle fotografie in cui l’autore si è ispirato a Georgia O’Keeffe, pittrice che tra gli anni 1939 e 1940 ha vissuto a Maui, nelle Hawaii e per sei mesi dipinse degli scorci dell’isola e degli elementi vegetali e naturali. La Chapelle amava quei quadri fin da piccolo e quando capì che i soggetti ritratti venivano dai luoghi in cui anche lui amava trascorrere il tempo, decise di fare queste fotografie per rendere omaggio alla pittrice statunitense.

Ritengo che questo sia uno dei migliori festival fotografici del panorama italiano e per questo ogni anno cerco di farci una tappa…

Il Festival di Fotografia Cortona On The Move 2022 – Me, Myself and Eye ^

L’edizione di Cortona On The Move 2022 titola Me, Myself and Eye. Il tema scelto dal direttore artistico Paolo Woods è un invito a riflettere su come le fotografie possano acquistare significati diversi in base a chi le produce e a chi le osserva. Su come l’autore e il punto di vista incidano sulla fruizione della fotografia. Su come il soggetto e l’oggetto siano fondamentali e si scontrino e coesistano tra loro.

Sotto al cappello di Me, Myself and Eye sono quindi raccolte le numerose mostre di questa dodicesima edizione di uno dei più importanti festival di fotografia italiani e i temi delle mostre sono collegati tra loro, come in una ballata… magari proprio quella di Billie Holiday del 1937 a cui il tema 2022 del festival si riferisce nella scelta del nome.

Le mostre di Cortona On The Move 2022 ^

Rispetto all’edizione dello scorso anno, in Cortona On The Move 2022 sono nuovamente aumentate le sedi espositive. Rispetto a quelle storiche, concentrate nel centro cittadino e alla vicina fortezza del Girifalco, si è aggiunta la stazione dei treni di Camucia.

Nel centro storico riapre l’ex magazzino delle carni, una delle sedi più suggestive a mio parere. Il maggior numero di mostre è invece concentrato nel palazzo Baldelli e diverse sono anche quelle allestite alla fortezza del Girifalco.

Qui a seguire trovi buona parte delle mostre che potrai vedere a Cortona On The Move 2022, suddivise per sede espositiva.

Christian Lutz – Citizens all’ex magazzino delle carni ^

Inizio il percorso tra le mostre di Cortona On The Move 2022 con l’esposizione all’ex magazzino delle carni. Qui è allestita Citizens, di Christian Lutz, fotografo svizzero che nelle sue opere indaga sui poteri politici, religiosi ed economici.

Citizens nasce dall’ascesa politifica che le forze populiste hanno avuto in Svizzera a partire dal 2013 e da come il loro modo di operare fa gioco sulla manipolazione e la suggestione dei cittadini. Nel progetto fotografico, durato fino al 2020, Christian Lutz ha viaggiato per tutta Europa visitando le roccaforti populiste e partecipando ai raduni dei nazionalisti, documentando ciò che si trovava davanti.

Le mostre a Palazzo Baldelli ^

Continuo la visita di Cortona On The Move 2022 con le mostre ospitate a palazzo Baldelli. Questo vecchio palazzo è raggiungibile in pochi passi dall’ex magazzino delle carni e dalla piazza centrale della città. I suoi interi quattro piani sono allestiti con le mostre e richiederanno qualche ora per essere visti completamente.

Ecco le mostre ospitate a palazzo Baldelli.

Gabriele Galimberti – The Ameriguns ^

Tra i nomi più celebri in mostra a Cortona On The Move 2022 c’è senza dubbio quello di Gabriele Galimberti. Il documentarista aretino, classe 1977, non è la prima volta che viene esposto in questo festival.

Il progetto The Ameriguns è un’impressionante documentazione della cultura delle armi americana. Di tutte le armi da fuoco possedute da cittadini privati nel mondo, la metà si trova negli Stati Uniti. Il risultato è che il numero di armi, qui, supera quello dei cittadini.

Frutto del Secondo Emendamento, datato 1791, questo fenomeno è visto in maniera molto preoccupata dal resto del mondo, mentre qui rappresenta la normalità. Nei suoi scatti, Galimberti, ritrae numerosi americani di differente estrazione sociale con le loro impressionanti collezioni d’armi.

Jan Banning – The Sweating Subject ^

Il fotografo Jan Banning, nato e residente nei Paesi Bassi, in The Sweating Subject si scatta una serie di autoritratti con capi tribali e componenti delle tribù Gonda o Dagomba.

In queste fotografie i protagonisti sono ritratti in abiti tipici all’interno delle loro abitazioni, restituendo così un mix di tradizione con elementi più moderni e contemporanei. La presenza stessa di Jan Banning all’interno delle foto ricorda le fotografie coloniali ma a differenza di queste, dove l’uomo bianco ‘padroneggiava’ sulle popolazioni locali, qui sembra quasi essere fuori posto mentre suda copiosamente al fianco dei suoi compagni di scatto.

Nicolas Righetti – The Dictatorship of Image ^

Sempre all’interno del palazzo Baldelli trovi l’allestimento di The Dictatorship of Image, frutto del lavoro di Nicolas Righetti, altro fotografo svizzero. Durante i suoi viaggi Righetti ha sviluppato un particolare interesse per le figure politiche totalitarie e in The Dictatorship of Image sono proprio loro le protagoniste.

In questo progetto fotografico viene riproposta l’iconografia di dittatori come Erdogan, Lukashenko, Bashar al-Assad e di come le loro immagini siano onnipresenti e continue all’interno delle città e degli edifici pubblici.

Alessandro Cinque – Ser y aparecer ^

Un particolare allestimento è anche quello della mostra Ser y aparecer di Alessando Cinque. In questo caso, il fotografo italiano ha viaggiato per le Ande peruviane.

All’interno delle case in questa parte del mondo vengono spesso esibite sulle pareti delle case le immagini ingrandite delle proprie fototessere. Qui scopre il lavoro di Yhon Alex Huachaca Lòpez, che di mestiere scatta fototessere su cui interviene migliorando in digitale l’aspetto dei suoi clienti o addirittura inserendo abiti e ornamenti che le persone ritratte non posseggono.

Alessandro Cinque ritrae parallelamente queste persone all’interno del loro quotidiano e, in mostra, puoi vedere le fototessere scattate e postprodotte affiancate alle immagini contestualizzate della vita della singola persona ritratta.

Alexander Chekmenev – Passport ^

Sempre legato alle fototessere è il lavoro di Alexander Chekmenev. Questo fotoreport ucraino ha dato vita al progetto Passport mentre scattava fototessere.

L’ambiente è quello ucraino dove, nel 1994 a seguito del crollo dell’Unione Sovietica, si è reso necessario per tutti i cittadini sostituire tutti i passaporti entro un anno di tempo. L’incarico di Checkmenev era quello di aiutare i cittadini malati e impossibilitati ad uscire da soli realizzando le fototessere a domicilio. Nello stendere il fondale bianco si è reso conto delle terribili condizioni che spesso c’erano in quelle case.

Nel progetto Passport Chekmenev testimonia il fatto che spesso, dietro a un fondale bianco, si nascondano delle crude realtà, senza ritocchi né censure.

Martina Bacigalupo – Gulu Real Art Studio ^

Nel progetto Gulu Real Art Studio di Martina Bacigalupo, fotografa genovese vissuta per oltre dieci anni in Burundi, c’è una testimonianza della povertà di questo paese.

In esposizione ci sono numerose fotografie con il viso tagliato. Il motivo è impensabile per la nostra società, ma le è stato presto spiegato da Obal, il proprietario di uno studio fotografico del Burundi da cui queste fotografie arrivano. Spesso gli abitanti della zona sono talmente poveri da non avere i soldi per comprare le quattro fototessere prodotte dalle fotocamera digitali.

Per ripiegare a ciò, ma per poter comunque fare la fotografia necessaria per i documenti, i fotografi scattano con la pellicola un’unica foto a mezzo busto e poi tagliano la testa per avere questa fototessera.

Izaak Theo Adu-Watts – No Ordinary Love ^

Le mostre di Cortona On The Move 2022 continuano con No Ordinary Love di Izaak Theo Adu-Watts. La sala è allestita come una sorta di lunga timeline che descrive il processo di transizione da donna a uomo dell’autore.

Le immagini sono estratte dall’account Instagram @izaaktheo, dove Izaac Theo Adu-Watts ha raccontato in prima persona la sua vita quotidiana e il processo che l’ha portato ad essere un uomo. Ogni foto è accompagnata dalla caption presente sui social con tanto di hashtag restituendo uno spaccato quanto mai attuale.

Carlo Rainone – La foto con Dios ^

Sicuramente particolare è l’esibizione di Carlo Rainone. L’autore, nato nel 1989 a Sarno, documenta storie che hanno come filo conduttore la “napoletanità”. E cosa c’è di più napoletano della passione sfegatata per Maradona?

Con La foto con Dios Rainone raccoglie una vasta collezione di immagini scattate tra il 1984 e il 1991, testimonianza dell’amore per la città per il calciatore argentino. È in questo periodo, infatti che a Napoli c’è il culto della “foto con Maradona”, una sorta di rito personale e collettivo che testimonia la devozione per il grande calciatore.

Martin Parr e The Anonymous Project – Déjà View – A conversation in Colour ^

Un altro dei nomi più celebri in mostra a Cortona On The Move 2022 è senza dubbio quello di Martin Parr. Con Déjà View – A conversation in Colour il vasto archivio di Martin Parr si fonde con quello di The Anonymous Project.

Quest’ultimo è un’iniziativa artistica nata nel 2017 da Lee Shulman che raccoglie immagini a colori scattate da fotografi non professionisti in giro per il mondo. Gli scatti in mostra sono abbinati e mettono in una sorta di confronto i due archivi, esponendo vicine foto con tematiche simili o sovrapponibili.

Il risultato è una riflessione su quanto profondamente cambi il significato di un’immagine a seconda dell’autore e del contesto.

I DO – Sì, lo voglio ^

Sotto al nome di I DO – Sì lo voglio, sono raccolte diverse fotografie di matrimonio provenienti da tutto il mondo. Spesso questo settore della fotografia viene considerato meno rilevante dal punto di vista culturale perché troppo commerciale.

Le fotografie di matrimonio sono però una vivida testimonianza della società in cui vengono scattate e producono una testimonianza storica e geografica delle abitudini e delle usanze locali.

In I DO – Sì, lo voglio, sono stati selezionati fotografi provenienti da quattro continenti: Enoch Boateng e Maxwell Aggrey in Ghana, Sam e Ekta da Mumbai, Thomas Sauvin dalla Francia, Oreste Pipolo da Napoli, Manal Alhumeed da Riyadh, Valerie Baeriswyl dalla Svizzera e da Haiti, Lindsay Ladd da Philadelphia dove fotografa matrimoni gay e queer, Juan de la Cruz Megìas Mondéjar dalla Spagna.

AIUla ^

La mostra successiva porta il nome di AIUla, una città dell’Arabia Saudita dove è stata attivata una collaborazione tra Cortona On The Move e Arts AIUla. Qui è stato istituito un festival in cui le fotografie di 19 artisti internazionali sono state esposte in luoghi all’aperto all’interno dell’emergente distretto artistico locale.

In quell’occasione sono stati invitati tre fotografi sauditi e tre europei a una residenza d’artista con l’obiettivo di produrre opere ispirate al patrimonio e alla cultura di AIUla. I lavori prodotti sono in mostra a Cortona On The Move 2022.

Tomeu Coll – Badlands ^

Procedendo tra le mostre di Cortona On The Move 2022 al palazzo Baldelli troverai Tomeu Coll. Questo fotografo spagnolo, di Maiorca, ha immortalato nel progetto Badlands i territori della sua isola che fino a un secolo fa erano solo acque stagnanti ricche di zanzare.

Oggi le Badlands sono a pochi passi da dove passano gli aerei pieni di turisti che raggiungono l’isola di Maiorca. Nelle fotografie in bianco e nero di Tomeu Coll viene restitituito un territorio paludoso e naturale e un ritratto dei suoi abitanti.

Storie di Umanità ^

L’ultima mostra all’interno di questo spazio espositivo è raccolta sotto il nome di Storie di Umanità. Queste fotografie sono il risultato di un concorso di Cortona On The Move volto a testimoniare gli ambiti in cui lavorano i medici senza frontiere: popolazioni colpite dalle guerre, epidemie, catastrofi naturali o zone senza assistenza sanitaria.

La documentazione di ciò che accade in queste zone è il modo anche per denunciare le ingiustizie di cui questa associazione è testimonee.

Al concorso hanno partecipato 221 fotografi tra i 18 e i 30 anni residenti in Italia. I tre vincitori, Yarin Trotta del Vecchio, Filippo Taddei e Giuliano Lo Re sono i fotografi che espongono qui i loro lavori.

Lucas Foglia – Constant Bloom su via Santa Margherita ^

Novità di questa edizione del festival è l’allestimento lungo via Santa Margherita. Per chi è abituato a frequentare il festival e la città di Cortona sa che questa è la via che dal centro paese, in salita, sale fino ai piedi della fortezza del Girifalco. Partendo dalla chiesa di San Marco percorre la via Crucis.

Qui sono esposte le fotografie di Lucas Foglia, fotografo americano classe 1983. Il progetto è Constant Bloom e si ispira al volo delle farfalle Painted Lady, la specie di farfalla che compie la più lunga migrazione mai documentata tra tutte le farfalle. Ogni anno volano tra Africa, Medio Oriente ed Europa fino a quando le loro ali si sbiadiscono o si strappano.

In Constant Bloom l’autore fotografa ciò che le farfalle si trovano davanti durante la loro migrazione, come fossero un collegamento tra persone differenti e luoghi diversi, divenendo così una metafora del mondo interconnesso e un invito a prenderci cura della Terra.

Le mostre alla Fortezza del Girifalco ^

Attraverso la passeggiata su via Santa Margherita raggiungo la fortezza del Girifalco. Questa, insieme a palazzo Baldelli, è l’altra location ad ospitare il maggior numero di mostre e sfrutta diversi spazi, sia all’aperto che sui vari piani interni.

La fortezza del Girifalco è la location storica e costante che, in tutte le edizioni del festival, ha ospitato diverse mostre. Solitamente io la scelgo anche per pranzarci in modo da spezzare la giornata.

Jojakim Cortis e Adrian Sonderegger – Icons ^

La prima mostra che vedo alla fortezza del Girifalco è anche una di quelle che più mi è piaciuta dell’intero Cortona On The Move 2022. Si tratta di Icons, di Jojakim Cortis e Adrian Sonderegger, due fotografi uno tedesco e l’altro svizzero, entrambi formatisi all’università delle arti di Zurigo.

Nel loro progetto Icons, ricreano nel dettaglio alcuni scatti iconici della fotografia internazionale. Si tratta di ambientazioni e personaggi creati in studio attraverso modelli tridimensionali ottenuti con bambagia, polistirolo e altri materiali. Questi modelli sono poi fotografati in modo da ridurne la tridimensionalità e creare una copia della copia della copia della realtà, dando vita a una questione metafisica che si interroga sulla percezione della realtà.

Stacy Kranitz – As it was Give(n) to Me ^

Esposta all’esterno, sui muri della fortezza del Girifalco, c’è la mostra di Stacy Kranitz As it was Give(n) to Me. La fotografa, che vive sugli Appalachi del Tennessee racconta l’esplorazione e l’attività di estrazione del carbone in questa zona.

Questa pratica è estremamente invasiva e priva la terra di risorse preziose. Tra le conseguenze più dirette c’è la povertà e l’indigenza dei popoli che abitano questi luoghi. Durante la sua produzione Stacy Kranitz si è resa conto dell’esistenza di una sorta di retaggio fotografico che offre una visione superficiale della povertà in questi territori. Lei stessa ha trovato un contrasto tra l’idea che si era fatta del progetto e della realtà e quello che si trovava a documentare.

La mostra continua con dei grandi lightbox posizionati all’interno dei sotterranei della fortezza.

Jessica Auer – The Falcon’s Garden ^

Nuovamente all’esterno, nel cortile interno della fortezza, c’è la mostra di Jessica Auer, The Falcon’s Garden. La fotografa canadese, trapiantata in Islanda, produce uno studio dei paesaggi vedendoli come siti culturali.

Nelle sue fotografie i paesaggi sono messi in correlazione ai comportamenti sociali, politici ed estetici delle persone che li frequentano. L’artista mette in evidenza anche le modalità con cui ambienti naturali vengono modificati e alterati per via del turismo di massa.

Con The Falcon’s Garden si esprime anche una certa preoccupazione per la vulnerabilità di questi territori e delle comunità che li abitano, le quali, spesso, non possono fare nulla per contenere un turismo distruttivo.

Walter Niedermayr – Transformations ^

Al pian terreno e al primo piano della fortezza del Girifalco ci sono le fotografie di Walter Niedermayr. Nei suoi lavori la costante è la presenza dell’ambiente, naturale o artificiale che sia. Il ruolo della sua fotografia è quello di porre domande raccogliendo attimi spesso sfuggenti o caotici.

I suoi scatti più celebri sono quelli di montagne innevate solcate da sciatori presi da una distanza tale da farli sembrare delle piccole formiche.

Gregory Halpern – Let the Sun Beheaded Be ^

All’ultimo piano della fortezza c’è infine la mostra Let the Sun Beheaded Be di Gregory Halpern, fotografo americano appartenente all’agenzia Magnum.

Il protagonista di questo progetto è l’arcipelago caraibico di Guadalupa, un’area dal passato coloniale complesso e violento. Nel progetto c’è un’attenzione particolare alle correnti sotterranee che rivelano storie ed esperienze locali.

Nel progetto di Gregory Halpern c’è una testimonianza di come i luoghi siano stati trasformati dalla natura, ma anche dalle persone e dagli eventi.

Jacob Holdt – American Pictures – I Just Do Things alla stazione ^

Cortona On The Move 2022 si conclude con la mostra di Jacob Holdt, American Pictures – I Just Do Things. Si trova alla stazione dei treni di Camucia ed è l’unica mostra difficilmente raggiungibile a piedi. Una scelta che non ho ben capito, tuttavia vale decisamente la pena vederla.

Le fotografie di Jacob Holdt, fotografo, scrittore e docente danese, sono tratte dal suo vastissimo archivio American Pictures. Questo è composto da oltre 18 mila fotografie che documentano il lato meno piacevole del nuovo continente. American Pictures è il frutto di cinque anni vissuti come vagabondo dall’autore in giro per gli Stati Uniti e nelle foto scattate principalmente nelle case del sud, negli Appalachi e nei ghetti delle coste orientali e occidentali dove vanno in scena razzismo, oppressione, povertà, amore, odio e amicizia.

Spesso Jacob Holdt si è integrato in queste comunità e in qualche scatto appare tra i soggetti. Le sue fotografie non esprimono un giudizio, ma sono pura documentazione di queste difficili realtà.

Cortona e le edizioni precedenti di Cortona On The Move ^

La visita a Cortona On The Move 2022 è anche la giusta occasione per passeggiare un po’ per il bellissimo centro storico della città, che ormai ho imparato a conoscere abbastanza bene. Le sue dimensioni sono contenute e, visitando le mostre, passerai per i suoi luoghi simbolo.

Dai però un’occhiata anche alla guida alla visita di Cortona per non perdere nessuno dei suoi scorci più belli.

Se invece vuoi vedere le edizioni precedenti del festival, qui trovi l’elenco dei miei articoli precedenti:

• Edizione 2021 di Cortona On The Move;
• Cortona On The Move 2018;
• Edizione 2016 del festival di fotografia Cortona On The Move;
• Scatti dalla terza edizione di Cortona On The Move, anno 2013;
• La seconda edizione di Cortona On The Move, nel 2012.

Amo particolarmente questo festival per la qualità dei fotografi esposti, sia di quelli più conosciuti che di quelli che per me risultano essere inediti. E poi, in tutta onestà, diventa la scusa per tornare nel bellissimo borgo di Cortona e in val di Chiana.

Il Festival di Fotografia Cortona On The Move 2021 – We Are Humans ^

Cortona On The Move 2021 è l’edizione di quest’anno di una tappa ormai fissa nelle mie estati. Nato relativamente di recente, il festival giunge quest’anno alla sua undicesima edizione. Ogni anno cambia nei nomi dei fotografi esposti, ma anche nei palazzi storici coinvolti come location per le esposizioni e negli allestimenti.

Il fil rouge di quest’anno è nel titolo dell’edizione: We Are Humans. Ovviamente la pandemia da Covid19 e le misure restrittive degli ultimi mesi sono alla base di questo tema. Tutti noi abbiamo dovuto modificare e ripensare il nostro sitle di vita e la nostra socialità. I rapporti con la famiglia, gli amici e tutte le altre persone sono stati messi in stand by e ripensati, alle volte in chiave virtuale. È il momento giusto per rivoluzionare il sistema sociale ed economico oppure sarà (come personalmente ritengo) l’ennesima occasione sprecata? Con We Are Humans Cortona On The Move 2021 si propone di raccontare storie che testimoniano la ripresa di un contatto con noi stessi. L’essere umano è protagonista nelle varie mostre e raccontato attraverso la sua quotidianità, i suoi valori, le sue battaglie e le sue emozioni.

I temi in mostra a Cortona On The Move 2021 sono piuttosto variegati e sapranno emozionare attraverso la moltitudine di storie narrate.

Le mostre di Cortona On The Move 2021 ^

Le esposizioni di Cortona On The Move 2021 sono, come ogni anno, divise su più location. In questa edizione, però, si concentrano in soli tre luoghi: palazzo Baldelli in pieno centro storico, nei giardini del Parterre e nella suggestiva fortezza del Girifalco che domina il centro.

Di forte richiamo per me è il nome di Alec Soth, fotografo americano che amo particolarmente e che è il nome di punta di questa edizione 2021.

Qui a seguire ho raccolto buona parte delle mostre viste, tralasciando giusto qualche collettiva non perché meno bella di queste, ma per via degli argomenti trattati in maniera più vasta.

Le mostre a palazzo Baldelli ^

Dopo aver raggiunto la biglietteria all’interno del complesso del MAEC e aver passeggiato per le splendide vie di Cortona e per la sue belle piazze della Repubblica e Signorelli, iniziamo la visita delle mostre di Cortona On The Move 2021 da palazzo Baldelli. Quest’anno è stato totalmente riempito di esposizioni, per ben quattro piani. Ci vorrà qualche ora per visitarlo interamente, d’altro canto è la location con più mostre al suo interno.

Giovane Fotografia Italiana #08 – Reconstruction ^

Appena entrati a palazzo Baldelli ci troviamo davanti diversi autori appartenenti a Giovane Fotografia Italiana, arrivata all’ottava edizione e avente il tema Reconstruction. Giovane Fotografia Italiana nasce con l’obiettivo di promuovere la creatività giovanile (under 35) nella fotografia. È sostenuta dai comuni di Cortona e Reggio Emilia e finanziato dall’ANCI e dalla Presidenza del Consiglio dei Ministri attraverso il bando Sinergie.

Con il tema di Reconstruction gli artisti combinano immaginazione e fotografia per dare una nuova comprensione di ciò che ci circonda, scomponendo e ricomponendo le informazioni, ognuno a modo suo. Tra le mostre che ho trovato più interessanti ci sono le seguenti.

Martina Zanin – I Made them Run Away ^

Martina Zanin, friulana classe 1994, con il suo I Made them Run Away, racconta la storia della sua famiglia attraverso immagini e testi scritti da sua madre. Con le immagini ritrovate, alcune delle quali strappate per eliminare il padre dell’artista dai fotogrammi, le fotografie scattate da Martina e i testi di accompagnamento, emerge una storia fatta di aspettative, bisogni di attenzione, rabbia e solitudine. Nei suoi testi la madre scrive a un uomo che non ha, in attesa che questo si palesi. Gli scritti vengono raccolti dalla madre stessa di Martina all’interno di un diario titolato Lettere ad un Uomo Mai Avuto.

Le fotografie esposte sono come pagine di un diario, dove il testo scritto è corredato da vecchie fotografie e nuove immagini che completano la narrazione.

Alisa Martynova – Nowhere Near ^

Alisa Martynova è russa e anch’essa nata nel 1994. Nella sua mostra a Cortona On The Move 2021, il concetto parte dalla narrazione delle stelle fuggitive, ovvero quelle stelle che schizzano via dalla propria galassia quando due buchi neri si incontrano. Queste poi viaggiano libere per l’universo nel resto della loro vita.
La storia narrata è quella di un uomo in viaggio verso un luogo sconosciuto che, una volta raggiunto, si sgretola come un castello e lascia dietro di se solo alcune domande: cosa rimane di un sogno svanito? Dove cercare le risposte e la strada per tornare a casa?

Alisa Martynova ha raccolto una costellazione di voci di giovani africani provenienti da diversi paesi e di sesso ed età differenti. Denominatore comune di esperienze diverse è quello di cercare un luogo migliore dove vivere. Chi vuole raggiungere la Libia, chi mira invece all’Europa. E chi, una volta arrivato nel paese sognato, viene chiuso in prigione o trova una realtà totalmente diversa da quella attesa. Altri invece, purtroppo, hanno visto il loro sogno infranto e non sono riusciti ad arrivare alla destinazione sognata.

Irene Fenara – Three Thousand Tigers ^

Irene Fenara, bolognese classe 1990, si avvicina diversamente al concetto di Reconstruction. Partendo dal concetto che nel mondo esistono più immagini di tigri che tigri stesse, tenta in maniera digitale di salvare una specie in via d’estinzione. Nel suo progetto Three Thousand Tigers, utilizza un algoritmo generativo per creare nuovi immagini di tigri attraverso un database di tremila immagini. Lo scarso numero di immagini input (ne servirebbero milioni), fa sì che le immagini create si allontino dal reale, perché i calcoli non riescono ad essere sufficientemente precisi.

Così come generare e riprodrurre sono l’unico modo digitale per creare nuovi elementi, lo sono anche nel mondo naturale per fare in maniera tale che le tigri non vadano estinguendosi.

Marco Garofalo – Energy Portraits ^

Il reporter Marco Garofalo è invece in mostra a Cortona On The Move 2021 con Energy Portraits. Il risultato finale è diverso dalle aspettative iniziali, in quanto ha dovuto adattarsi ai restringimenti dovuti al Covid. La mostra si basa sull’obiettivo che si sono date le Nazioni Unite di portare energia economica e affidabile ai paesi in via di sviluppo. Questo è un tema molto discusso, perché da un lato è imprescindibile avere energia elettrica per poter evolvere, dall’altro utilizzare energia proveniente da combustioni fossili è una delle cause dei problemi ambientali che ci circondano.

Attraverso Energy Portraits, Marco Garofalo, propone immagini di luoghi significativi in cui è in corso la sfida per portare energia sostenibile. Passando per Europa, India, Sud America e Africa, Garofalo ritrae le varie dotazioni elettriche che permettono agli utenti finali di lavorare e di vivere.

Sono svariate le scene ritratte. Tra queste:

• un impianto idroelettrico su di un canale di irrigazione e un impianto fotovoltaico che illuminano aule, biblioteche, dormitori e case. Qui si spiega che il problema per poter istruire ed educare i propri figli non è quello di avere libri, ma quello di avere l’energia elettrica per poterli leggere;
• un commerciante della stazione di Baleshwar in India. Attraverso le lampade solari può vendere i propri prodotti ai pendolari che rientrano a casa la sera;
• pannelli solari in Tanzania che vengono spostati per raccogliere più raggi di sole durante il giorno. L’energia servirà per alimentare una festa che si terrà alla sera. Questi vengono acquistati e pagati a rate mensili con addebito con mobile banking. I pannelli vengono controllati da remoto e l’assistenza sui guasti arriva anche nel cuore della savana;
• un’intera parete in cui si raccontano le dotazioni elettriche di famiglie che vivono a migliaia di chilometri tra loro. Spesso colpisce come la tecnologia e il materiale elettrico sia presente anche in case decisamente spartane, in alcuni casi anche in capanne di fango.

A lato delle fotografie di Marco Garofalo c’è uno schermo che presenta gli Energy Self Portraits. La pandemia ha infatti messo in stand by il lavoro dell’artista, che l’ha riconfigurato richiedendo alle persone che avrebbe voluto ritrarre di inviare un loro autoritratto.

Gabo Caruso – Cora’s Courage ^

Estremamente attuale e toccante è il progetto Cora’s Courage di Gabo Caruso, in cui viene testimoniato in foto e video il processo di transizione di una giovane bambina spagnola dal punto di vista sociale. La condivisione con la madre del suo sentirsi una bambina avviene nel 2014 e all’età di 5 anni comincia la sua transizione. Questa è intesa come transizione sociale, perchè il passaggio da un sesso all’altro comincia con l’affermazione di se in famiglia, con gli amici, a scuola e nel tempo libero. Questi sono abitualmente anche i luoghi principali di esclusione per le persone transessuali.

Cora’s Courage restituisce uno sguardo positivo sulla società, raccontando una storia di inclusione, non senza qualche difficoltà iniziale. Attraverso il progetto di Gabo Caruso ripercorrerai gli anni di Cora e la sua storia che, a distanza di 7 anni, è un esempio positivo di società e famiglia.

Hannah Reyes Morales – Living Lullabies ^

Particolare è l’allestimento di Living Lullabies di Hannah Reyes Morales. Ti troverai all’interno di una stanza del palazzo Baldelli con svariati armadi aperti che contengono delle fotografie retroilluminate. Il sottofondo musicale sono dei canti, a tratti inquietanti, che si ripetono in maniera ciclica.

Living Lullabies racconta per mezzo di questi rituali le questioni critiche che vengono affrontate nelle ninna nanne stesse, riflesso della società, delle speranze e delle paure delle varie culture. E così tra le ninna nanne che possono essere ascoltate e vissute per via delle fotografie, troverai madri che proteggono i bambini dall’aria tossica in Mongolia, famiglie che scappano delle guerre in Siria, bambini alle prese con la crisi climatica nelle Filippine, famiglie duramente colpite dal COVID19 in America.

Lo scopo di Living Lullabies è di mostrare come i fatti emergenziali che ogni giorno ci vengono raccontati dai telegiornarli vengono trasportati in un atto così intimo e antico come quello delle nenie per bambini.

Jonathan Torgovnik – Disclosure – Rwandan Children Born of Rape ^

Un bel cazzotto allo stomaco arriva con Jonathan Torgovnik. Nel suo progetto Disclosure – Rwandan Children Born of Rape, mostra una serie di fotografie di madri e figli a distanza di 12 anni di tempo. Cos’hanno di particolare queste famiglie? Sono tutte famiglie con un solo genitore. La madre. I figli sono infatti frutti di violenza e, più in particolare, quella perpetuata contro il popolo ruandese nel 1994. Le donne fanno parte del popolo Tutsi che per 100 giorni è stato vittima delle milizie paramilitari Hutu. La stima è che durante quei tragici eventi siano stati concepiti ben 20000 bambini e che spesso e volentieri le donne si siano ammalate di AIDS.

Le fotografie raccontano anche del momento in cui le donne hanno confessato ai loro figli come sono stati concepiti e le reazioni degli stessi, divenuti giovani adulti, al tragico racconto. Questo è possibile attraverso dei brevi testi che accompagnano le singole foto e a un video che viene proiettato in una sala dedicata.

L’obiettivo di Torgovnik è anche fare luce sullo stupro come arma di guerra e sulle conseguenze che questo ha sia sulla madri, che sui figli, che su di un intero popolo.

Jo Anna Chaus – Conversations with Myself ^

Decisamente più leggere e dalla tecnica sopraffina sono le fotografie di Jo Anna Chaus. In Conversations with Myself, l’artista 67enne si racconta con una serie di autoritratti dai colori saturi e dal forte contrasto. L’obiettivo della Chaus è quello di creare una sorta di diario fotografico in cui narra la sua quotidianità e lo fa con l’obiettivo di capire meglio ciò che la circonda e i suoi stati d’animo.

Lo scopo è anche quello di capire se stessa in relazione alle persone che ha incontrato e che la circondano. Allo stesso tempo è la testimonianza di una persona anziana e saggia con una storia da raccontare.

Alessandra Sanguinetti – An everlasting summer – The adventures of Guille and Belinda ^

Le mostre continuano con An everlasting summer – the adventures of Guille and Belinda, di Alessandra Sanguinetti. L’artista ha vissuto la sua infanzia nelle fattorie di Buenos Aires, luoghi a cui è rimasta estremamente legata, tanto che ancora oggi è usuale frequentarle.

Lo fa specialmente visitando Juana, un’amica di famiglia nonna di due bambine, Belinda e Guillermina, in cui probabilmente Alessandra Sanguinetti rivide e ripercorre la sua infanzia. Le due giovani sono infatti le protagoniste dei suoi scatti e dopo mesi passati ad ingnorarle, diventa loro complice nel 1999. È in quell’anno che dando loro corda diventa la regista delle loro storie, raccontate a Cortona On The Move 2021 attraverso le fotografie esposte.

Quelle esposte sono solo una parte del progetto, infatti le due ragazze, diventante ora donne, sono ancora seguite dall’artista che continua a fare loro fotografie.

Tim Franco – Unperson – Portraits of North Korean Defectors ^

Nel progetto Unperson – Portraits of North Korean Defectors, Tim Franco racconta l’incredibile storia dei nord coreani che scappano dal paese. Non è semplice infatti uscire dalla Corea del Nord per raggiungere la Corea del Sud. Chi lo fa deve spesso passare per altri paesi dove, frequentemente viene incarcerato.

Il regime non tollera disertori e, soprattutto se sei povero, sarà molto complicato riuscire a fuggire. Alcune persone ce l’hanno fatta, nonostante l’area demilitarizzata al confine tra le due Coree e l’attenzione agli altri confini di stato.

Tim Franco ha incontrato diversi disertori e si è fatto raccontare le loro incredibili e difficili storie. Alcune di queste sono più semplici di altre, grazie allo stato sociale delle persone che cercavano di scappare. Altre sono storie di disperazione. Altre ancora, nelle parole, raccontano di un pentimento per aver abbandonato la terra natìa.

Federico Estol – Shine Heroes ^

Shine Heroes è la mostra di Federico Estol che racconta la strana usanza dei lustrascarpe di La Paz. In un allestimento decisamente pop viene narrata la quotidianità di circa 3000 persone che svolgono questo lavoro. Ad accomunare tutti questi professionisti della scarpa in Bolivia c’è un capo d’abbigliamento: il passamontagna.

Segno distintivo di una professione per cui si prova vergogna e attraverso il quale si tenta di limitare la discriminazione per un lavoro umile. Spesso e volentieri nemmeno i parenti dei lustrascarpe sanno che lavoro svolgono i propri famigliari. E proprio il passamontagna li rende riconoscibili ma invisibili allo stesso tempo.

Le fotografie esposte sono frutto di una collaborazione tra Federico Estol e un’associazione di 60 lustrascarpe con cui ogni scatto è stato pianificato e messo in scena.

Catherine Leutenegger – New Artificiality / 3D Bioprinting ^

L’artista svizzera Catherine Leuntenegger con la sua esposizione New Artificiality / 3D Bioprinting, racconta i progressi della scienza. In particolare la narrazione è sulla tecnoglia di stampa 3D applicata alla scienza e alla medicina. Attraverso il bioprinting si sta infatti cercando di creare organi umani funzionanti da utilizzare nei trapianti. È stimato che nel giro di 10 o 20 anni questa potrà essere una tecnologia abitualmente applicata.

Laurence Rasti – There are no Homosexuals in Iran ^

Le tematiche LGBTQ+ sono al centro di una seconda mostra a Cortona On The Move 2021. Il titolo autoesplicativo è There are no Homosexuals in Iran, a cura di Laurence Rasti. Il progetto parte dalle dichiarazioni del 2007 dell’ex presidente iraniano Mahmud Ahmadinezad, che aveva affermato “In Iran non ci sono omosessuali come negli Stati Uniti”.

Le fotografie qui esposte raccontano invece il contrario. E raccontano anche di uno stato che punisce l’omosessualità con la pena di morte. Nelle foto vengono ritratti gay e lesbiche provenienti dall’Iran e che hanno cercato rifugio in Turchia in attesa di raggiungere un paese ospitale e dove poter vivere liberamente la loro identità.

Tomaso Clavarino – Padanistan ^

È italiano Tomaso Clavarino che con il suo Padanistan racconta quell’area del Nord Italia che si estende dalle Alpi al mare Adriatico. Nonostante non sia un territorio riconosciuto ufficialmente dal punto di vista geografico, culturale e giuridico, lo è nell’immaginario comune. Viene infatti identificato come una zona dal tessuto sociale compatto e coerente con i suoi ideali, ma allo stesso tempo molto frammentato e contraddittorio.

Tomaso Calvarino racconta dal 2017 questo territorio percorrendo la SS11 e restituendo un senso di spaesamento e ironia.

Stephanie Gengotti – Circus Love – The magical life of Europe’s Family Circuses ^

Tra le mostre che più ho apprezzato a Cortona On The Move 2021 c’è anche Circus Love – The magical life of Europe’s Family Circuses dell’italo-francese Stephanie Gengotti.

Nelle sue fotografie dai colori saturi racconta di circhi di famiglie nomadi in giro per l’Europa. Sono circi non convenzionali, guidati da artisti che hanno reinterpretato il concetto di freak e di circo stesso, dando vita a spettacoli in cui inglobano diverse arte e discipline.

Spesso questi circhi si basano sulle intuizioni stategiche ed empatiche delle donne, dando vita a una sorta di matriarcato illuminato. Queste famiglie rappresentano sia la libertà che la schiavitù. Nonostante non abbiano un padrone devono infatti sottostare a inverni freddi e piovosi che investono le loro roulotte, ma anche ad estati torridi in cui il caldo toglie il respiro. Nella narrazione di queste fotografie si percepisce l’entusiasmo per il proprio lavoro, la voglia di vivere, la fatica, l’attaccamento alla famiglia e la passione con la quale viene svolto il proprio lavoro. Circus Love riesce a rendere nuovamente affascinante e attrativa un’idea di circo che non prevede più lo sfruttamento degli animali, ma che mette in scena le abilità personali e fisiche dei circensi.

Jon Henry – Stranger Fruit ai Giardini del Parterre ^

Terminata la visita al palazzo Baldelli e prima di raggiungere la fortezza del Girifalco, c’è un’altra tappa nel centro di Cortona: i giardini del Parterre. Qui sono liberamente esposte le fotografie di Jon Henry e del suo progetto Stranger Fruit.

Henry ha partorito questo progetto in risposta ai sempre più frequenti omicidi delle persone di colore avvenute negli Stati Uniti negli ultimi anni da parte della polizia. Le riprese da parte di smartphone e le dash cam montate sulle auto della polizia non sembrano essere un deterrente sufficientemente potente per una giusta applicazione della legge.

Tra tutte le parti lese in questa cultura della violenza ci sono prima di tutto le vittime, ma in seconda battuta anche i loro famigliari. In Stranger Fruit le protagoniste sono le madri. Quelle ritratte non hanno perso i loro figli, ma sanno che potrebbe succedergli. In ogni fotografia è ritratta una madre con il proprio figlio in un ambiente a loro famigliare, in cui si vive quotidianamente sopportando queste angherie.

Il titolo del progetto richiama Strange Fruit di Billie Holiday. Non ci sono più corpi neri appesi ai pioppi, come recita la canzone, ma i frutti delle famiglie di colore vengono ancora uccisi per strada.

Le mostre alla Fortezza del Girifalco ^

La fortezza del Girifalco è una costante delle mostre del festival e Cortona On The Move 2021 non fa eccezione. Al suo interno sono presenti svariati allestimenti, alcuni al coperto ed altri nei giardini del fortezza. La visita di queste mostre permette anche di scoprire tutti gli spazi di questo luogo antico dal cui si gode di un bel panorama sulla città, sulla vallata circostante e sul vicino lago Trasimeno.

Ecco le principali mostre qui allestite.

Alec Soth – I know how Furiosly your Heart is Beating ^

Alec Soth è stato il motivo che mi ha portato anche quest’anno a visitare il festival di fotografia. È uno dei fotografi contemporanei che preferisco e, in particolar modo, amo i suoi ritratti.

Con I know how furiosly your heart is beating, Alec Soth torna sulle scene dopo qualche anno di assenza. Le immagini esposte sono a colori e in grande formato, per la maggior parte ritratti. A differenza dei progetti passati non si concentrano su di un luogo preciso o su di una particolare popolazione, ma sono state scattate attraverso un viaggio in Europa, America e Regno Unito. Le fotografie di I know how furiosly your heart is beating raccontano in maniera più personale e intima la visione di Alec Soth, prendendo in parte le distanza dallo stile documentaristico che fin qui l’ha contraddistinto.

Le persone ritratte sono state presentate all’artista durante i suoi viaggi e coinvolgono altri artisti, coreagrafi e scrittori. Soth stesso spiega “Quando sono tornato alla fotografia ho voluto spogliare il mezzo fino a ridurlo ai suoi elementi primari. Piuttosto che cercare di produrre una sorta di narrazione epica sull’America, volevo passare del tempo a guardare altre persone e, si spera, intravedere la loro vita interiore.” e aggiunge “Questo progetto non riguarda la geografia, la nazionalità o altri modi in cui concettualmente cerchiamo di capirci. Si tratta semplicemente di entrare nella camera di un’altra persona e osservare la fragile, emblematica bellezza della vita di qualcun’altro.”.

Deanna Dikeman – Leaving and Waving ^

Esposte sulle mura della fortezza del Girifalco, sono le foto di Leaving and Waving di Deanna Dikeman. Questo progetto è, nella sua semplicità, commovente. L’artista ha fotografato per ventisette anni il saluto tra lei e i suoi genitori dopo essere stata a trovarli nella loro casa in Iowa. Le fotografie erano nate come modo per affrontare la tristezza del distacco e non per essere esposte. Col tempo questo è diventato un rituale che si ripeteva anno dopo anno.

Solo a distanza di tempo Deanna Dikeman ha scoperto che Leaving and Waving era un vero e proprio progetto che documenta il passare del tempo e il dolore nel dirsi addio. Infatti la serie continua nei vari anni e dalla prima foto del 1991 arriva al 2009, quando compare il primo scatto senza il padre che novantunenne venne a mancare. Il progetto continuò con la madre, progressivamente sempre più triste ad ogni partenza, fino al 2017 quando si è trasferita in una residenza assistita e, nello stesso anno, è morta. Al rientro dal funerale Deanna Dikeman ha scattato un’ultima foto del vialetto vuoto, uno scatto autoesplicativo e che lascia un vuoto anche nelle persone che guardano il progetto.

Aleksi Poutanen – Fellow Creatures ^

Con Cortona On The Move 2021 è la prima volta che accedo ai sotterranei della fortezza del Girifalco. In questa edizione sono qui allestite due mostre. La prima è un insieme di fotografie dalle grandi dimensioni. L’artista è Aleksi Poutanen e la mostra è Fellow Creatures.

Per comprendere meglio il progetto è necessario sapere che i finlandesi hanno un rapporto speciale con la natura, a causa della recente e rapida urbanizzazione dello stato. Negli anni sessanta del novecento infatti c’è stata una migrazione eccezionale delle persone dalle zone rurali alle città. Ciò ha fatto sì che in una decina d’anni le città cambiassero totalemnte volto. Ma le abitudini dei finlandesi non cambiarono altrettanto velocemente e così, come in campagna, le persone continuarono a condividere i loro spazi con animali domestici e selvatici.

Nelle fotografie di Aleksi Poutanen c’è un mix di stranezza e ironia, con animali insoliti che interagiscono con le persone all’interno di ambienti familiari.

Francesca Todde – A Sensitive Education ^

Sempre in questo spazio potrai vedere A Sensitive Education di Francesca Todde. Il progetto si propone di raccontare l’empatia possibile tra diverse specie naturali attraverso l’educatore di uccelli Tristan Plot.

Tristan prepara gli uccelli alla partecipazione a spettacoli di danza e di teatro e a documentari cinematografici. Nel suo lavoro mette in atto anche l’ornitoterapia, ovvero una cura attraverso il contatto tra uccelli e persone con disabilità, anziani e detenuti. L’esperienza di Tristan comincia durante la sua infanzia, quando visitando i boschi vicino a casa si rese conto che rimanendo immobile gli animali uscivano pian piano allo scoperto. Ancora oggi mette in campo questa pratica di approccio lento per riuscire nei suoi scopi educativi.

Dopo aver studiato ecologia, biologia ed etologia, ha sviluppato una tecnica educativa che combina imprinting, formazione tradizionale e formazione positiva, ovvero attraverso il gioco e la ricompensa.

Catherine Panebianco – No Memory is Ever Alone ^

La seconda mostra all’aperto all’interno della fortezza del Girifalco è No Memory is Ever Alone, di Catherine Panebianco. Il progetto è descritto come una conversazione tra l’artista e suo padre. Partendo dalla tradizione natalizia di rivedere le diapositive della gioventù di suo padre, Catherine Panebianco ha portato questi vecchi ricordi nei suoi paesaggi del presente. In questo modo ha ottenuto una connessione tra la sua vita e quella di suo padre.

Decisa a non utilizzare Photoshop per mixare la diapositiva con gli sfondi, l’artista ha speso molto tempo alla ricerca dei giusti contesti e paesaggi in cui ambientare le fotografie qui esposte.

Paolo Pellegrin – L’Altro ^

Entrando dal pian terreno della fortezza passerai per l’esposizione dell’archivio publifoto Intesa San Paolo, che testimonia la ricostruzione dell’Italia nel secondo dopo guerra e nel periodo del boom economico. Ai piani superiori, invece, è in esposizione Paolo Pellegrin con L’Altro.

Questo progetto nasce dai recenti lockdown che hanno caratterizzato le nostre vite e ci hanno portato a ripensarle. Tutto è cambiato, anche il modo di interagire fisicamente con gli altri e di comunicare. Il progetto L’Altro nasce da una proposta di Arianna Rinaldo, direttrice artistica del festival, e dalla volontà di Paolo Pellegrin di indagare su questa situazione di incertezza. Pellegrin si è più volte interrogato sul tema della sorveglianza e nelle foto qui esposte, contrastati bianco e nero, lo ha richiamato. Si è posizionato in punti strategici e ha fotografato i soggetti senza che questi se ne accorgessero, annullando di fatto la distanza tra il soggetto ripreso e il suo sguardo, praticamente assente.

Le fotografie di Paolo Pellegrin sono poi completate dalle parole della psicoanalista e saggista Gabriella Ripa di Meana.

Cortona e le edizioni precedenti di Cortona On The Move ^

La visita a Cortona On The Move 2021 è non solo un arricchimento culturale e sociale per le foto esposte e gli argomenti trattati, spesso da un punto di vista inedito. È anche un’ottima occasione per visitare il bellissimo borgo storico. Se sei interessato a scoprire di più sulle cose da vedere in città, ecco la guida su cosa vedere a Cortona in un giorno.

Se invece le mostre qui raccontate ti hanno incuriosito, ti consiglio di segnare a calendario le prossime edizioni del festival che tendenzialmente si svolge ogni estate tra luglio e settembre.

Possono interessarti anche i progetti e le mostre delle precedenti edizioni di Cortona On The Move. Eccone alcune che ho visitato:

• Cortona On The Move 2018;
• Edizione 2016 del festival di fotografia Cortona On The Move;
• Scatti dalla terza edizione di Cortona On The Move, anno 2013;
• La seconda edizione di Cortona On The Move, nel 2012.

Il Progetto dell’Osservatorio Fondazione Prada

L’osservatorio Fondazione Prada è frutto di un recupero degli ambienti interni alla Galleria Vittorio Emanuele II a Milano, con ingresso da piazza Duomo. Più in particolare si trova sopra alla pasticceria storica Marchesi 1824 e la si può raggiungere in ascensore arrivando fino al quinto piano dell’edificio. L’ascensore si apre direttamente sul desk dell’accoglienza.

Gli spazi dell’osservatorio Fondazione Prada occupano il quinto e sesto piano dell’edificio, e dalle ampie finestre è possibile vedere la cupola in ferro e vetro che venne realizzata tra il 1865 e il 1867 da Giuseppe Mengoni per coprire la galleria Vittorio Emanuele II. Ci troviamo quindi al di sopra dell’Ottagono, ovvero dello spazio sormontato dalla cupola della galleria.

Questi spazi vennero ripristinati una prima volta nel secondo dopoguerra, a causa dei bombardamenti che rovinarono indelebilmente il centro storico di Milano e furono restaurati una seconda volta in occasione dell’apertura (vociferata da anni) di questo spazio il 21 dicembre 2016.

Il progetto di restaurazione è stato curato direttamente dagli architetti interni al team di Prada con la collaborazione di Rem Koolhaas. Il risultato è una location dal design essenziale e con forti richiami agli spazi di Fondazione Prada in Largo Isarco, primi tra tutti gli impianti a vista che possono vedersi  nei soffitti. Un collegamento con la città è invece dato dalla scelta di recuperare la pavimentazione originale in legno: il parquet è posato a lisca di pesce alternando colori chiari a quelli scuri. Tutta la pavimentazione necessaria per i circa 800 metri di spazio espositivo, è stata recuperata anche dai piani sottostanti, in cui erano presenti vecchi appartamenti e uffici di partito o associazioni. 

Sono state mantenute anche le strutture verticali portanti, create in cemento armato totalmente a vista, che ben si sposano con lo stile pulito che è stato dato all’Osservatorio Fondazione Prada. Sono stati conservati anche i solai in legno e laterizio, rinforzati con elementi in ferro grigio.

Si è scelto invece di aprire una bellissima vista sulla copertura della Galleria Vittorio Emanuele II: i muri e le piccole finestrelle che permettevano alla luce di entrare, hanno lasciato il passo a enormi vetrate che, nelle giornate di sole, inondano questi spazi di luce. 

La scelta di questo spazio per il nuovo progetto dell’Osservatorio Fondazione Prada non è casuale: è proprio all’interno della Galleria Vittorio Emanuele che, per volere di Mario Prada, nacque la maison di moda nel 1913.

La fotografia in Galleria Vittorio Emanuele II a Milano

L’apertura dell’Osservatorio Fondazione Prada amplia ulteriormente l’offerta artistica a Milano, spesso sostenuta in prima persona da aziende private.
Questo spazio si somma infatti agli altri spazi presenti a Milano della stessa casa di moda: Fondazione Prada ha infatti la sede principale in Largo Isarco. Lì vengono allestite mostre e installazioni di arte contemporanea temporanee in accompagnamento alle permanenti nella torre di Fondazione Prada (leggi la guida sulla torre e la collezione permanente) e nell’edificio dorato noto come Haunted House.
Questi spazi si aggiungono ad altri importanti spazi privati, come gli Armani Silos o la Fondazione Pirelli HangarBicocca, rendendo Milano sempre più all’avanguardia per quel che riguarda mostre di arte contemporanea promosse non solamente dall’ambito pubblico.

Osservatorio Fondazione Prada è uno spazio distaccato dalla sede centrale della Fondazione ed ha una sua natura quasi indipendente. Infatti è possibile acquistare il biglietto per accedere anche solamente alle mostre temporanee presenti in questo suggestivo spazio. All’interno dell’Osservatorio Fondazione Prada sono esposte esclusivamente mostre temporanee di fotografia o arti visuali.

Le scelte espositive che vengono fatte per questo spazio sono volte all’indagine e alla promozione della fotografia contemporanea, con un continuo studio delle tendenza e un forte interesse circa l’evoluzione di questo medium che si connette inevitabilmente con altre discipline artistiche. Osservatorio Fondazione Prada nasce con l’intento di mettere a fuoco lo strumento fotografico, in un momento storico in cui le immagini sono parte integrante e fondamentale del flusso di comunicazione (anche) digitale. Quali sono le implicazioni sociali e culturali che mette in atto la produzione fotografica e come viene recepita sono solo alcuni degli interrogativi che questo nuovo spazio si pone l’obiettivo di indagare. 

Come per gli altri spazi culturali della casa di moda, anche in questo caso le scelte sulle esposizioni vengono avvallate dalla presidente Miuccia Prada e dal curatore Germano Celant.

Attualmente è possibile visitare le mostre fotografiche dell’Osservatorio Fondazione Prada con un biglietto singolo o combinato, che permette anche l’accesso alle mostre permanenti presenti nella sede di Largo Isarco, sempre a Milano.

Liu Bolin chi è l’Artista ^

Prima di tutto scopriamo meglio chi è Liu Bolin. Nato nel gennaio del 1973 a Shandong nell’estremo oriente della Cina si è diplomato a Pechino al corso di laurea sulla Scultura dell’Accademia Centrale d’Arte Applicata e vive e lavora principalmente ancora in questa città. Per dedicarsi completamente alle sue sperimentazioni artistiche Liu Bolin lascia definitivamente il posto di docente di scultura nella stessa Accademia di Pechino in cui aveva studiato.

Dopo le prime mostre a Beijing sulla fine degli anni ’90 ebbe un successo crescente tanto da arrivare come protagonista sul panorama internazionale dell’arte contemporanea.

Nelle sue opere questo artista quasi scompare, diventando una “cosa tra le cose”. In questa maniera intende far capire che ogni luogo, sia questo il più piccolo o il più sperduto sulla faccia della terra, ha una sua anima in cui ci si può identificare e immergere.

Il risultato finale, visibile nelle fotografie dell’artista, è il frutto di un complicato processo per più fasi: dallo studio iniziale sulla tematica da affrontare, allo scouting e la scelta delle location su cui lavorare. Il processo continua poi con la fase di installazione e pittura che si conclude con la performance dell’artista che si immerge totalmente e letteralmente nell’ambiente scelto. Il lavoro dura spesso più giorni e la fotografia che ne esce è solo il culmine di tutto il processo creativo.

Inizialmente questo processo avveniva creando delle sculture della sua persona e poi dipingendole e posizionandole negli scatti. In mostra è presente anche un calco del 2008 in vetroresina, davanti alla bandiera blu dell’Europa. Successivamente abbandono le sculture e si dedica a una più vivida e coinvolgente presenza di persone reali: lui stesso nella grande maggioranza dei casi.

Con la sua arte Liu Bolin mette a fuoco le contraddizioni dell’uomo contemporaneo e indaga le relazioni tra il singolo individuo e la civiltà a cui partecipa, che lo coinvolge direttamente. Mostra anche le contraddizioni tra i tempi passati e quelli futuri, oltre che le differenze tra chi esercita il potere e chi lo subisce. Altre volte, soprattutto per gli scatti italiani, invita lo spettatore a soffermarsi in contemplazione della bellezza. I suoi scatti sono, insomma, un invito ad andare oltre alle apparenze e a una visione superficiale del mondo per scoprire ciò che spesso abbiamo sotto gli occhi.

Liu Bolin nel 2013 fu anche un relatore di TED, dove incentrò il suo discorso su temi politici e sociali che sono alla base della grande maggioranza delle sue opere.

La Mostra Visible Invisible al MUDEC ^

La mostra Visibile Invisible in scena al MUDEC di Milano ospita circa cinquanta fotografie in cui Liu Bolin affronta problematiche sociali , identità culturali e luoghi emblematici che hanno segnato il suo vissuto.

Gli scatti stampati in grande formato sono accompagnati da una statua iniziale che mostra un esempio di mimetizzazione del soggetto con lo sfondo. Questo set è tratto dallo scatto Bandiera dell’Unione Europea del 2008. Oltre a ciò e alle fotografie sono presenti tre video che ci permettono di capire le tematiche affrontate e come le sue opere nascono e vengono progettate.

La mostra Visible Invisible è la seconda mostra fotografica ospitata dal MUDEC dalla sua apertura ed è curata da Beatrice Benedetti. Per l’occasione sono state realizzate alcune opere in cui Liu Bolin si mimetizza nella collezione permanente del museo, oltre ad altre fotografie inedite mai mostrate prima e scattate nel capoluogo lombardo.

Tra le opere in mostra in Visible Invisible anche quelle del ciclo Migrants che, come vedremo in seguito, si legano strettamente alle tematiche care del MUDEC.

La mostra Visible Invisible è aperta dal 15 maggio al 15 settembre 2019 ed è ospitata nell’edificio giallo che sorge adiacente all’edificio principale del MUDEC. Questo spazio è stato nominato MUDEC Photo e, dopo la mostra di Steve McCurry “Animals” dello scorso anno, è la seconda mostra fotografica che ospita. Ci si può entrare direttamente dalla piazzetta antistante l’ingresso al museo ed è dotato di una sua biglietteria indipendente. All’interno della mostra non è purtroppo possibile scattare fotografie con macchine fotografiche, ma esclusivamente con smartphone o tablet.

Ecco come le opere in mostra sono organizzate.

Nascondersi in Cina ^

La mostra si apre con una statua di Liu Bolin completamente mimetizzata con la bandiera Europea. Ciò perché diversi suoi lavori sono stati svolti nel vecchio continente. Il primo argomento trattato, però, riguarda i primi lavori dell’artista, quelli con cui è nata la tecnica che l’ha reso riconoscibile a livello mondiale e che sono racchiusi sotto il titolo “Nascondersi in Cina“.

Queste prime opere vennero create successivamente allo smantellamento del villaggio di Soujia Village a nord est di Pechino, dove l’artista risiedeva. La distruzione avvenne a partire dal 16 novembre 2015 su volontà delle autorità governative cinese. Fu in quel momento che in Liu Bolin scattò la miccia e diede il via alla serie di scatti Hiding in the City, nei quali l’autore racconta le realtà che lo circondano sfruttando la prospettiva e mimetizzandosici. In queste prime fotografie il suo corpo era più evidente, probabilmente per via della tecnica non ancora ottimizzata.

In Hiding the City il corpo dell’artista si fonde alle macerie del suo vecchio quartiere e proprio la sua presenza porta il fruitore dello scatto a soffermare meglio lo sguardo sull’opera, alla ricerca del dettaglio e inevitabilmente interrogandosi maggiormente su ciò che ha davanti. Queste opere, come quelle future, sono inevitabilmente frutto di un lavoro di team, dove il body painting è l’atto finale prima dello scatto che immortala il culmine della performance di Liu Bolin, che esce dalla mera fotografia per entrare nel campo più ampio dell’arte contemporanea.

Sempre all’interno di “Nascondersi in Cina” sono racchiuse altre foto dell’artista, meno distruttive e più positive. In queste vengono ritratti paesaggi urbani e monumenti di notevole interesse storico o artistico.

Di questa sezione fanno parte le opere:

• Lavoratori Licenziati, del 2006, in cui alcuni operai svaniscano all’interno delle stesse mura per cui hanno lavorato a lungo. Sul muro della loro fabbrica campeggia in grande uno slogan propagandistico;
• Demolizione del 2008, in cui gli abitanti di un quartiere storico di Pechino vengono immortalati con alle spalle una recinzione in mattoni con su scritto “da demolire”. Gli spazi dietro di loro sono proprio le loro abitazioni;
• Foto di Famiglia del 2012, in cui l’artista si immortala insieme ai suoi famigliari davanti a decori tipici cinesi, in una foto caratterizzata dal colore rosso abbinato all’oro e che non può che attirare l’attenzione;
• Il Tempio del Cielo del 2010, nel quale Liu Bolin si ritrae davanti ad uno dei tantissimi templi asiatici che rende questo continente così affascinante agli occhi di noi europei. Le sue foto sulla Cina non sono quindi solamente di denuncia, ma anche di amore verso il territorio in cui è nato e di valorizzazione.

Migranti ^

La mostra continua con il breve ciclo Migranti, progettato e scattato in Italia nel 2015. In queste foto Liu Bolin allarga il campo e non è più l’unico protagonista delle sue foto, anzi lo diventa raramente. Lo sfondo di questo ciclo di foto sono i cosiddetti barconi della speranza, davanti ai quali l’artista posiziona i migranti africani ospitati all’interno dei centri di accoglienza siciliani.

Le fotografie sono varie e mirano ad attirare l’attenzione pubblica su questa emergenza che da anni tiene banco e che, purtroppo, non ha ancora trovato una soluzione in grado di mettere d’accordo tutti nell’inevitabile e imprescindibile accoglienza di queste persone che sfidano la morte per scappare da qualcosa che probabilmente è peggio della morte stessa.

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Tra queste opere:

• Blue Europe in cui i corpi dei migranti sono affiancati gli uni agli altri come in una sorta di Pietà contemporanea, su di uno sfondo blu e dipinti dello stesso blu utilizzato per la bandiera europea. Solo gli occhi, sofferenti ed espressivi emergono da questa tinta omogenea;
• Memory Day ha invece come colore dominante quello della sabbia, la stessa nella quale i migranti sono approdati dopo la devastante traversata del Mediterraneo. I corpi stanchi sono stesi a terra e diventano un tutt’uno con la terra che dovrebbe dargli salvezza e riparo;
• Future invece è una sorta di grido silenzioso. Ancora una volta i migranti sono affiancati gli uni agli altri, come in una sorta di incastro e su di loro è ripetuta decine e decine di volte la scritta “FUTURE”, ovvero il motivo per cui queste persone hanno abbandonato il loro paese in cerca di un qualcosa di migliore e di un nuovo futuro;
• The Hope dove il protagonista della mimetizzazione torna ad essere Liu Bolin, davanti a un barcone che, semidistrutto, riposa nel porto.

Il Tuo Mondo ^

Con la serie di fotografie raccolte sotto il nome di “Il tuo mondo” si ripercorrono le maggiori opere di Liu Bolin, scattate in giro per tutto il pianeta. E così si possono riconoscere delle famose location scattate in oltre duecento opere che arrivano da luoghi iconici del mondo.

Tra queste non mancano delle mimetizzazioni a Ground Zero o con il Toro di Wall Street, ma anche con le famose cabine telefoniche londinesi o con prodotti di largo consumo che, facilmente, lasciano intendere il luogo in cui sono state scattate. Telefoni cellulari, ma anche riviste o prodotti da supermercato sono i protagonisti indiscussi di queste fotografie che richiedono un lavoro certosino del bodypainter. In questo caso, nonostante sia inevitabile interrogarsi su dove una fotografia sia stata scattata, si pone l’attenzione sul fatto che queste risultino familiari allo spettatore a qualsiasi latitudine del mondo, attraverso un processo di globalizzazione che ha portato a uniformare i consumi.

In questa sezione è presente anche lo scatto “Islanda numero 1” del 2017 e prodotto in collaborazione con Annie Leibovitz in cui Liu Bolin è immortalato mentre indossa un capo della collezione autunno inverno di Moncler, su uno dei ghiacciai islandesi.

La volontà di uniformare la visione dello spettatore per rendere la sua opera universale, è resa grazie all’abbigliamento dell’autore. Liu Bolin indossa sempre la stessa uniforme a metà tra il civile e il militare con lo scopo di omologare la sua figura a qualsiasi altro cittadino senza riferimenti a un determinato luogo o periodo.

Nascondersi in Italia ^

L’ultima parte della mostra Visible Invisible è dedicata al capitolo italiano: Nascondersi in Italia. Questa sezione si pone totalmente agli antipodi rispetto ai fatti che hanno scatenato la creatività dell’artista: mentre in Cina venivano smantellati interi quartieri, l’Italia fonda la sua ricchezza e la sua cultura sul mantenimento e la valorizzazione del suo inestimabile patrimonio storico-artistico.

Nascondersi in Italia, concepita nel 2008, è stata realizzata tra le più famose delle nostre città. Roma, Milano, Caserta e Pompei sono solo alcune delle mete di Liu Bolin che dimostra una grande passione per il patrimonio italiano e, in particolar modo, per le sculture. Tra il 2018 e il 2019 infatti l’artista si è concentrato su due grandi lavori di Michelangelo: la Pietà Rondanini, ospitata nel castello sforzesco di Milano e il Mosè di San Pietro in Vincoli a Roma.

Tra le città toccate dalle opere in mostra c’è Pompei, con la sua villa dei Misteri nel 2012, Roma con i suoi più celebri monumenti: dal Colosseo (2007) al ponte Sant’Angelo (2012), piazza di Spagna (2018) o il Mosè San Pietro in Vincoli. Il suo viaggio continua anche a Caserta, all’interno del Teatro di Corte, e arriva a Milano con il suo Duomo e il teatro alla Scala entrambi fotografati nel 2010.

In questa sezione è presente anche il lavoro site-specific per il MUDEC, dove l’artista si è immortalato e mimetizzato con alcune opere della collezione permanente del museo milanese nelle date del 15 e 16 aprile 2019 e lo scatto è mostrato qui in anteprima mondiale. Al fianco di queste grandi stampe è invece appesa la divisa utilizzata da Liu Bolin durante le foto, ancora verniciata dagli scatti fatti. Questo lavoro è raccontato anche da un brevissimo video in cui l’artista parla in cinese e che per sua stessa scelta non è stato tradotto ne sottotitolato.

Come Nasce un’Opera di Liu Bolin ^

Tra i brevi video mostrati in loop all’interno della mostra Visible Invisible, ce n’è uno dove si può vedere anche come viene messa in pratica una delle sue opere. Dopo aver scelto il luogo in cui scattare e determinato qual è l’orario migliore, spesso le prime luci dell’alba per evitare che gli spazi pubblici siano affollati di persone, Liu Bolin sceglie l’angolo di ripresa ed effettua degli scatti di prova.

Spesso l’artista indossa una stessa divisa sulla quale, in base all’angolazione della fotografia, suddivide lo spazio e disegna delle forme con dei riferimenti ai colori di cui dovrà essere tinta per meglio fondersi con lo sfondo alle sue spalle. Successivamente, tolta la divisa questa viene pitturata e dopo averla reindossata, si passa al body painting sulle parti che rimangono scoperte come il viso e le mani. Solo a questo punto l’immagine viene scattata e il progetto termina.

La Mostra Più di 50 Anni di Magnifici Fallimenti di Oliviero Toscani ^

La mostra Più di 50 anni di Magnifici Fallimenti è stata inaugurata il 14 aprile 2019 e rimarrà aperta fino al 30 giugno. La mostra, ospitata in un’ala del secondo piano del museo d’arte di Ravenna (MAR) mette in mostra quasi 150 fotografie, alcune in grande formato, molte altre (un centinaio) stampate nelle dimensioni di una cartolina, che ripercorrono l’intera carriera del fotografo.

Il titolo risponde a un concetto fondamentale per Oliviero Toscani, il fallimento rappresenta una prospettiva, uno stimolo al non fermarsi e allo sfidare ogni limite. All’interno della mostra si rivivono le immagini simbolo della sua carriera e sono presenti anche due focus:

• la Razza Umana, il progetto esposto nella prima sala, con una serie di ritratti in grande formato è uno studio socio-politico, culturale e antropologico in cui l’autore analizza la morfologia degli essere umani al fine di comprenderne le differenze. Il progetto è stato avviato nel 2007 e da allora Oliviero Toscani gira il mondo con uno studio itinerante con il quale ritrae persone nelle piazze e nelle strade. Achille Bonito Oliva descrive così questo progetto: “Nella Razza Umana, una galleria infinita di ritratti di varia e anonima umanità, la fotografia non è casuale e istantanea, non è il risultato di un raddoppiamento elementare, bensì di una messa in posa che complica e rende ambigua la realtà da cui parte.
  In definitiva la Razza Umana è frutto di un soggetto collettivo, lo studio di Oliviero Toscani inviato speciale nella realtà della omologazione e della globalizzazione.
  Con la sua ottica frontale ci consegna un’infinita galleria di ritratti che confermano il ruolo dell’arte e della fotografia: rappresentare un valore che è quello della coesistenza delle differenze.“.
• il focus Newyorchese, del quale sono esposte alcune fotografie con influenti personaggi che negli anni ’70 animavano la città. Sono di questo periodo gli scatti esposti di Andy Warhol, Mick Jagger, Lou Reed e tanti altri.

I lavori di Oliviero Toscani hanno affrontato i temi più scottanti dei nostri tempi, come il razzismo, la pena di morte, la guerra, l’AIDS e lo stile estremamente diretto, a volte cinico a volte ironico del fotografo, non ha mancato di attirare su di se forti polemiche. In mostra sono presenti, in grande formato, alcuni dei suoi più celebri lavori, come:

• Bacio tra prete e suora del 1992;
• Tre Cuori White/Black/Yellow del 1996;
• No-Anorexia del 2007

e tante altre sviluppate in collaborazione con Benetton o prodotte in maniera autonoma.

Tre video completano la mostra Più di 50 anni di Magnifici Fallimenti, uno è l’approfondimento sull’opera NO Anorexia di Oliviero Toscani e sul clamore mediatico che ha suscitato immediatamente dopo la sua pubblicazione nei luoghi pubblici milanesi durante la settimana della moda. La fotografia, che ritrae una modella francese che soffre di anoressia completamente nuda, è una denuncia verso il mondo della moda, che si indigna a vedere un’immagine di questo genere, ma che non disdegna invece utilizzare lo stesso corpo per farlo sfilare sulle sue passerelle.

Un secondo video, invece, è un’insieme di spezzoni che si concentra sull’arte della guerra, “WART“ appunto. Anche in questo caso si tratta di una critica, come succede di frequente nelle opere di Oliviero Toscani, all’attuale società e a come il tema della guerra e della morte che si porta con se, viene trattato.

L’ultimo video, invece più leggero, è ospitato nell’ultima sala della mostra ed è una presentazione di Oliviero Toscani, dove il fotografo si racconta e ripercorrere la sua carriera, dall’incontro con Benetton fino alle opere più recenti.

Orari e Costi della mostra Più di 50 anni di Magnifici Fallimenti ^

La mostra Più di 50 anni di Magnifici Fallimenti è aperta dal 14 aprile al 30 giugno 2019, dal martedì al sabato dalle 9.00 alle 18.00 e la domenica dalle 11.00 alle 19.00.

Il costo di ingresso è di 6 euro per il biglietto intero, ma con ogni probabilità si potrà beneficiare del biglietto ridotto a 5 euro, grazie alle numerose convenzioni attive.

Ulteriori dettagli sulla mostra sono disponibili sul sito ufficiale del museo MAR di Ravenna.

Chi è Oliviero Toscani ^

Oliviero Toscani, uno dei più conosciuti fotografi italiani contemporanei, è nato nel 1942 a Milano ed è figlio d’arte. Suo padre, Fedele Toscani, era infatti il primo fotoreporter per il Corriere della Sera. Anche il cognato lavorava nel mondo della fotografia, era infatti Aldo Ballo, impegnato nella fotografia del design milanese.

Oliviero Toscani respira quindi già da bambino le emozioni della fotografia e crescendo mostra un interesse crescente verso questo mezzo di comunicazione. I parenti, primo tra tutti il padre, lo incoraggiando invitandolo ad iscriversi a un’importante scuola di fotografia, la migliore del tempo: la Kunstgewerbeschule di Zurigo. Si diploma nel 1965 e inizia rapidamente la sua avventura nel mondo della fotografia, in un periodo di fortissimo fermento sociale e culturale in tutto il mondo.

In questo periodo si affacciano i Beatles, i Rolling Stones, le minigonne e le rivolte del ’68, e Oliviero Toscani è pronto a immortalare ciò che gli succede intorno: non a caso è in prima linea nella data italiana del concerto dei Beatles al Velodromo Vigorelli.

Sono i primi anni ’70 quando si trasferisce a New York ed entra in contatto con grossi nomi dell’arte (tra cui Andy Warhol), della musica e della scena mondana internazionale. Ciò gli permette di dare libero sfogo alla sua creatività, così come raccontato nel video presente nella mostra Più di 50 anni di Magnifici Fallimenti. Nel 1973 partorisce la prima delle sue iconiche fotografie “Chi mi ama mi segua”, nella quale fa un primissimo piano del sedere di Donna Jordan per promuovere la marca di jeans Jesus. In un attimo arriva a collaborare con i più grandi marchi di moda: Elle, Vogue, GQ ed altri.

Capite le potenzialità del giovane Oliviero Toscani, arrivano anche blasonati marchi italiani, che stringono velocemente collaborazioni con lui. Tra questi Armani, Valentino, Missoni e un posto speciale occupato da Fiorucci, con il quale si crea un forte legame che dà vita a una lunga collaborazione. La vera spinta arriva però da un’altra collaborazione, cominciata nel 1982, con Benetton. In quel momento viene inventato il rettangolino verde che ha accompagnato la maggior parte delle sue fotografie e che è presto diventato simbolo di fotografie che scuotono le coscienze, attraverso una comunicazione diretta e forte.

Toscani, con Benetton, non ha paura di parlare di tematiche annoverate tra i tabù del mondo: guerra, AIDS, sesso, religione, razzismo, fame nel mondo, pena di morte.. e spesso e volentieri attira su di se feroci critiche, tra le quali l’accusa di sfruttare queste problematiche per attirare l’attenzione su di se e fare pubblicità ai brand con cui collabora. Il parere di Oliviero Toscani è molto preciso, e si fonda sul concetto che l’importante è che si affrontino queste tematiche e poco importa se dietro si trova la lungimiranza di un marchio che collabora con lui e che può trarre profitto da ciò. In fondo anche le canzoni più impegnate che parlano di tematiche scottanti vengono poi vendute e rendono ricche le band o i cantanti che le hanno create.

Le provocazioni e le spinte alla società continuano anche fuori dalle collaborazioni con Benetton. Si prendano ad esempio le campagne a favore delle unioni gay, dove una coppia omosessuale è in atteggiamenti intimi su di un divano o spinge una carrozzina, oppure ancora l’aspra critica al mondo del fashion, con gli scatti della ragazza anoressica completamente nuda.

Dal 2018 Oliviero Toscani è infine tornato a dirigere FABRICA, il centro di ricerca sulla comunicazione fondato circa 30 anni prima insieme a Luciano Benetton.

La Collezione sui Mosaici del MAR ^

Visto che la mostra Più di 50 anni di Magnifici Fallimenti di Oliviero Toscani è allestita dentro al MAR di Ravenna, l’occasione è ottima per godere anche delle opere della collezione permanente del museo, alle quali si ha accesso con lo stesso biglietto della mostra temporanea.

Sullo stesso piano della mostra di Toscani si può accedere alla pinacoteca di Ravenna, con quadri e bozzetti di famosi artisti e qualche pezzo di arte contemporanea, da Klimt a Maurizio Cattelan. Il piano terra è invece dedicato ai mosaici e, tra questi, l’area intorno al chiostro interno del MAR, presenta alcuni pezzi di mosaicisti contemporanei con l’obiettivo di far rinascere l’arte del mosaico di Ravenna dopo tanti anni di oblio.

Per questo motivo è stata pensata la nuova sezione dei mosaici contemporanei, dove numerosi pezzi del secolo scorso trovano spazio uniti a opere degli ultimi anni, create da artisti che si avvicinano a questa tecnica o che la inseriscono all’interno delle loro produzioni.

Questa sezione è nata grazie alla lungimiranza del professor Giuseppe Bovini, docente di Archeologia Cristiana all’UNIBO, che voleva valorizzare e far conoscere le abilità dei mosaicisti ravennati, applicandola all’arte contemporanea. Il progetto cominciò facendo riproporre in grande alcuni pezzi bizantini che si trovano all’interno delle basiliche ravennati, e portando questi pezzi in giro per l’Europa. L’iniziativa ebbe un tal successo che si pensò di coinvolgere alcuni grandi artisti contemporanei nella produzione di opere d’arte con declinazione sul mosaico e, tra questi, si interpellarono nomi del calibro di Gottuso e Chagall. 
La mostra dei mosaici moderni venne aperta nel 1959.

La parte contemporanea è quella che più delle altre ha attirato la mia attenzione. I pezzi qui esposti utilizzano lo stesso mezzo dei pezzi antichi, ma ne prendono decisamente le distanze in quanto argomenti e tecnica. Qui sono esposti mosaici di artisti poco conosciuti o agli inizi delle loro carriere, che utilizzano il mosaico come sperimentazione per la loro arte. Per favorire la partecipazione a questa nuova iniziativa di promozione del mosaico è stato creato il concorso del Premio Internazionale GAeM, arrivato alla sua quinta edizione nel 2019. Il concorso annuale è a tema libero ed aperto a tutti gli artisti di età inferiore ai 40 anni.

In esposizione ci sono pezzi che arrivano dalle precedenti edizioni. Tra cui:

• Way Out di Luca Barberini (Ravenna, 1981) tra i vincitori dell’edizione 2015;
• Innocent (… ma tutto ciò che sei lentamente svanirà) di Raffaella Ceccarossi, tra i vincitori dell’edizione 2015;
• Unicorno, di Dusciana Bravura (Venezia, 1969), creato nel 2007;
• CAP 952 di Omar Hassan (Milano, 1987), creato nel 2013.

Il Palazzo del MAR – la Loggetta Lombardesca ^

Anche il palazzo in cui trova sede il MAR lascia a bocca aperta. Le sue origini si fondano nel XVI secolo, quando questo enorme edificio era stato pensato come il chiostro dell’Abbazia di Santa Maria in Porto e prendeva il nome di Loggia del Giardino, conosciuta anche come Loggetta Lombardesca per via delle origini della manodopera impiegata nel progetto di costruzione.

Di quell’antico palazzo è arrivato ai giorni nostri il chiostro e l’impianto degli spazi con l’elegante loggia a cinque archi. Durante i secoli il palazzo del MAR è stato più volte restaurato con un importante intervento negli anni ’70 dello scorso secolo.

Il MAR (Musero d’arte di Ravenna) trova qui la sua collocazione dal 2002 e ha lo scopo di conservare e valorizzare il patrimonio culturale locale e internazionale, oltre che la pinacoteca comunale. Il palazzo è anche sede del Centro Internazionale di Documentazione sul Mosaico.

Ed è così che scopro un po’ per caso della sua mostra a Torino, durante una gita di un giorno nel capoluogo piemontese. Una locandina appesa nei pressi della stazione mi riaccende subito la memoria sui suoi lavori.

Visioni Ibride – La mostra di Sandy Skoglund a Camera ^

La mostra Visioni Ibride è una raccolta di lavori di Sandy Skoglund esposti a Camera a Torino. La mostra è visitabile dal 24 gennaio al 24 marzo 2019 e esibisce l’intera carriera artistica dell’artista statunitense.

I pezzi esposti vanno dagli inizi degli anni Settanta, fino all’ultimo lavoro “Winter”, terminato nel 2018. Winter è esposto qui in anteprima mondiale e, oltre gli scatti fotografici, sarà possibile ammirare anche le sculture che sono state utilizzate nelle fotografie.

Le Opere in Mostra ^

In mostra sono esposte oltre 100 fotografie, la maggior parte delle quali in grande formato. Inoltre in diverse sale sono posizionate varie sculture che Sandy Skoglund ha impiegato nei suoi scatti. Gli animali e gli oggetti che caratterizzano le sue opere sono infatti creati a mano dalla stessa artista e poi posizionate in maniera minuziosa per far prendere vita ai Tableaux Vivant che aveva in mente. Tutto questo lavoro ‘artigiano’ spiega anche il motivo per cui la produzione di Sandy Skoglund è molto limitata, dal punto di vista delle numeriche, ma estremamente potente e coinvolgente dal punto di vista delle arti coinvolte: dalla regia alla fotografia e dalla scultura all’installazione.

Ogni sala della mostra “Visioni Ibride” è tematizzata su di un argomento e raccoglie le fotografie che meglio lo rappresentano, in maniera estremamente trasversale e senza seguire una successione temporale a priori.

Negli scatti esposti si può vedere che già nelle prime fotografie degli anni ’70 era già chiaro l’interesse per l’ambiente domestico rappresentato con situazioni a metà tra la comicità e l’inquietudine.

Gli animali sono stati principalmente introdotti negli anni ’80, regalando a Sandy Skoglund visibilità a livello internazionale. Il motivo per cui l’artista ha scelto di inserire questi personaggi è spiegato direttamente da lei, quando dice di credere che gli essere umani si considerano la principale forma di coscienza in natura e che l’introduzione degli animali serve proprio per inserire nell’esperienza una forma di coscienza alternativa.

I Tableaux Vivants di Sandy Skoglund ^

Per Tableaux Vivants si intendono delle scene ricreate attraverso modelli, opportunamente vestiti e mascherati, che mettono in scena un quadro vivente. Per tutta la durata dell’opera i modelli non devono muoversi ne parlare e, nel contesto fotografico, il tempo si limita a quello dello scatto.

Ovviamente l’interesse di Sandy Skoglund per il cinema, la scenografia e la regia, ha inciso in maniera decisiva nell’avvicinamento a questa disciplina.

Nei primi lavori le scenografie sono semplificate e in scala ridotta, ma includono già l’elemento umano che gli permette di dare vitalità e dinamismo allo scatto. Emerge fin da subito l’interesse dell’artista per l’ambiente domestico e l’impiego degli strumenti di tutti i giorni, come in Spoons del 1979, dove un uomo è immerso in un ambiente candido costellato di cucchiai blu e rossi che si rifanno ai colori della bandiera americana.

In questa sala, oltre ad alcune statue impiegate nei suoi lavori, si trovano due delle fotografie in assoluto più famose di Sandy Skoglund:

• Radioactive Cats del 1980, dove una stanza grigia, con persone vestite di grigio che si muovono tra tavoli e arredamenti grigi, è riempita di statue di gatti verdi che spiccano per numero e contrasto di colore;
• Revenge of the Goldfish del 1981, dove l’atmosfera è ancora più fantastica. In una stanza totalmente blu si trovano una persona coricata e un bambino seduto a bordo del letto. Tutto intorno pesci rossi che fluttuano nell’aria o che nuotano rasenti al terreno, danno vita a un ambiente fantastico dove la stanza svolge la funzione di acquario.

Nei Tableaux Vivants di Sandy Skoglund gli oggetti non sono più trovati per caso, ma sono studiati e creati a tavolino in un’opera di progettazione iniziale estremamente complessa che parte dalla definizione della scena e continua con la creazione degli oggetti e animali che si troveranno all’interno dello scatto. Il ricorrere in maniera quasi ossessiva agli elementi naturali fa emergere la preoccupazione dell’artista sulla condizione non rassicurante della natura.

L’utilizzo del Colore ^

La sala successiva della mostra Visioni Ibride è dedicata al tema del colore nell’arte di Sandy Skoglund. Fin dall’inizio della sua produzione l’artista ha fatto giocare un compito fondamentale al colore nelle sue fotografie.

Nei suoi lavori fa largo uso di tinte sature ed estremamente contrastanti. Lo studio del colore è completato anche dall’utilizzo di tinte complementari tra loro.

Tra le fotografie in grande formato qui esposte sono principalmente tre ad attirare la mia attenzione.

• A Breeze at Work del 1987, nella quale in uno spazio di lavoro abbastanza anonimo si consuma una scena di per se insignificante in cui due donne lavorano mentre un uomo le osserva. L’ambiente e i vestiti dei personaggi sono color ruggine, ma il tutto prende vita grazie a tantissime foglie dal colore blu intenso riprese mentre cadono dai loro rami e vengono portate in giro da un leggero vento. In questa foto si percepisce sia una decostruzione della natura nella quotidianità, che una critica femminista alla società americana di quegli anni;
• un altro scatto per me magnetico è Fox Games del 1989, nel quale un cameriere serve una coppia di borghesi al tavolo. L’intero ambiente è grigio, così come i cestini di pane presenti sui tavoli. La scena è però animata dalla presenza di ben ventidue volpi rosse che si muovono e corrono curiose nel locale. Uno di questi esemplari è esposto al centro della sala;
• per chi ama gli scoiattoli sarà impossibile resistere anche a Gathering Paradise del 1991. Qui la scena è in mano a decine di scoiattoli neri che dal giardino di una casa della middle class americana, corrono verso gli interni dove si colorano di rosa. Un animale all’apparenza innocuo e ben voluto, si trasforma velocemente in roditore sgradevole.

Le Texture, la Componente Naturale e l’utilizzo del Cibo ^

Ormai è evidente che nelle opere di Sandy Skoglund c’è una ricerca visiva non indifferente e che tra le tecniche più utilizzate si ritrova una fortissima passione per le texture, magari mischiate ad elementi naturali che creano una dimensione estranea e alternativa a quella umana.

Questo è il caso di The Green House del 1990, dove una casa interamente verde e in cui il pavimento e gli arredi sono ricoperti da erba finta, si trovano due persone in accappatoio assorte nei loro pensieri. L’ambiente è letteralmente invaso da trentatré cani di varie razze rappresentati attraverso statue a grandezza naturale.

Negli anni novanta viene introdotto un nuovo elemento che spesso ritorna nelle opere: il cibo. La scelta va nella direzione di aggiungere un elemento commerciale e popolare, spostandosi dal puro piano concettuale a quello del mondo della pubblicità di consumo. In Spirituality in the Flesh, del 1992, la fotografia di un manichino femminile è seduto su di uno sgabello con un vestito blu. L’intero corpo è ricoperto da carne cruda macinata, così come l’intero fondale e il pavimento della stanza in cui si trova. Questa texture rende una sensazione di inquietudine al pubblico, così come la posizione di chiusura del manichino. In Body Limits del 1992, invece, due figure umane sono interamente ricoperte di tre strati di pancetta.

In Atomic Love, del 1992, si rafforza la contiguità tra gli estremi del percepire e del vedere, impiegando l’uvetta come rappresentazione di una piaga orribile. Lo scoppio di una bomba atomica si moltiplica e si propaga su tutta la superficie inondando le persone ritratte in una stanza gialla, di piccole forme scure date dall’uvetta.

Gli Spazi all’Aperto ^

I lavori di Skoglund sembrano simili tra loro, ma nascondono un costante processo di evoluzione e sperimentazione. Non mancano anche alcuni lavori grafici, tra cui le litografie di sculture collocate in paesaggi reali. Un esempio è Dogs at the Beach del 1992, dove l’artista ricontestualizza i cani già creati per The Green House all’interno di Asbury Park, in New Jersey.

Lo stesso processo viene ripetuto con Squirrels at the Drive-In del 1996, dove gli scoiattoli di Gathering Paradise di cinque anni prima, vengono ricollocati nel parcheggio di un cinema all’aperto. Anche Cats in Paris, del 1993 segue questo processo: i gatti di Radiactive Cats si trovano in uno spazio suburbano.

Portando all’aperto queste sculture si inserisce anche la variabile tempo: l’installazione e lo scatto della fotografia devono essere fatti in brevissimo tempo, al massimo una giornata, non avendo il controllo sullo spazio in cui l’opera viene creata.

In questa sala si trova anche Sock Situation, del 1986, dove i protagonisti sono dei calzini rossi che decorano un ambiente casalingo popolato da tre manichini.

Tra le opere tecnicamente più complicate di Sandy Skoglund si trova Walking on Eggshells del 1997. In questo scatto si ricorre al cibo e alla sua corporeità, che impregna la vita e diventa una metafora della condizione di fragilità e resistenza allo stesso tempo del vissuto umano. Il pavimento di una stanza da bagno è interamente composto da gusci di uova interi, rotti solamente dove calpestati dalle due donne che si muovono in stanza. L’utilizzo di alcuni serpenti aumenta la sensazione di pericolo dell’immagine, ma è anche un richiamo fallico che coinvolge le due protagoniste femminili. In Walking on Eggshells si ritrova un senso di morbidezza ma anche di rigidità e pesantezza, ancora una volta un riferimento alla modalità del vivere quotidiano.

Shimmering Madness ^

In una sala dedicata è allestita Shimmering Madness, del 1998. Troviamo davanti a noi sia lo scatto fotografico, che un’installazione riallestita all’interno degli spazi di Camera a Torino.

Il processo che porta a una fotografia di Sandy Skoglund passa sempre e comunque per l’allestimento di un set e l’installazione di tutti gli elementi che completano l’idea che l’artista ha in mente.

In quest’opera gli elementi si riducono al minimo, nonostante la grande varietà di colori e il numero impressionante di caramelle utilizzate. Spariscono gli arredi e gli accessori, il pavimento è ricoperto di caramelle così come i corpi nudi di tre persone intente a ballare. Sullo sfondo, ricoperto di farfalle, si trovano due persone nude che, come i loro compagni, stanno danzando.

Nell’installazione si può vedere la leggerezza delle farfalle, mosse da una leggera corrente, che si contrappone alla staticità e alla durezza delle caramelle. Ancora una volta l’artista sottolinea le differenze tra elementi simili tra loro. In qualche modo le caramelle, apparentemente così innocue, diventano una presenza angosciante e spiazzante.

L’impatto cromatico e l’impatto della Natura sull’uomo nei lavori recenti ^

Come in un crescendo, arriviamo nella prossima sala, dove gli elementi che contraddistinguono le opere di Sandy Skoglund prima visti singolarmente, sembrano unirsi in diverse opere. Impatto cromatico, texture, cibo e colori si incontrano in opere come Raining Popcorn del 2001 o Fresh Hybrid del 2008.

In Raining Popcorn viene presentata una scena rurale completamente ricoperta da popcorn, tanto da non rendere riconoscibili alcuni personaggi. I popcorn rappresentano un esempio di junk food, ma allo stesso tempo il granoturco rappresenta un elemento dall’alto valore storico, culturale e sociale dato dall’importanza della sua coltivazione. Nello scatto viene anche associato all’ariosità e alla leggerezza, elementi tipici della società consumistica.

Fresh Hybrid è invece la rappresentazione di un paesaggio artificiale e fa parte del ciclo “The Project of the Four Seasons“, in cui si esaminano gli effetti psicologici generati dalle stagioni. Questo scatto rappresenta la primavera e mostra i confini labili tra reale e verosimile, attraverso l’inserimento di sculture a grandezza umana e dalla sembianza umana, intervallate a persone reali.

L’ambiente esterno ritorna in As Far As the Eye Can See del 2011, dove le sue foglie blu vengono posizionate in un sentiero campestre creando una scena dal forte impatto visivo e, sicuramente, atipica. L’ambiente esterno ritorna anche in Picnic on Wine del 2003, dove 400 bicchieri sono riempiti con un liquido rosso che forma una sorta di tappeto ondeggiante e odoroso per i modelli che vi sono posizionati sopra. Qui i colori sono vivaci e artificiali e creano un deciso impatto con i modelli rigidi adagiati sopra.

Winter di Sandy Skoglund ^

Winter è il progetto più recente esposto alla mostra Visioni Ibride ed è presente a Camera Torino in anteprima mondiale. Winter è un progetto nato nel 2008 e terminato nel 2018.

L’opera ha richiesto così tanto tempo, perché l’artista avesse il tempo di apprendere le diverse tecniche che le hanno permesso di realizzare gli oggetti che rappresentano il fulcro della scena. Ad esempio i fiocchi di neve in metallo sono tagliati digitalmente. I fiocchi sono anche stampati in digitale con inchiostro ultravioletto e, per Winter, Sandy Skoglund ha ‘scolpito’ in digitale i gufi e la figura di donna utilizzata nello scatto.

In esposizione si trovano anche le tre sculture dei gufi e il busto presenti nella fotografia.

Il processo è stato così lungo anche perché nella sua produzione sono stati testati diversi materiali e relativi procedimenti, che hanno portato anche a errori e scarti. Tra questi materiali sono stati presi in esame anche la ceramica e l’argilla.

I fiocchi di neve rappresentano il tema della somiglianza. Sembrano tutti identici tra loro, ma in realtà ognuno di questi ha delle leggere differenze.

Winter è quindi un raccoglitore di tecniche e di idee, racchiuse in un unico scatto fotografico il 22 dicembre 2018 ed è diventato per Sandy Skoglund un simbolo di perseveranza e persistenza. Winter è anche un paesaggio artificiale che celebra la bellezza e la sensazione di smarrimento, sensazioni che secondo l’artista sono tipiche della stagione più fredda.

Ripetizione e Serialità ^

Per ultimo vediamo il corridoio che corre lungo tutte le sale che raccolgono le opere in grande formato di Sandy Skoglund. Seguendo un ordine cronologico questo corridoio sarebbe stato da visitare per primo, perché mostra anche le primissime opere dell’artista.

Le stampe appese si rifanno al concetto di ripetizione e di serialità ed è coerente con gli scatti appena visti, ma da un certo punto di vista ci si distacca: mentre le opere già viste richiedevano tanta preparazione e la possibilità di creare uno o due pezzi all’anno, qui si parla di diverse fotografie scattate nel giro di pochissimo.

Il corridoio comincia con la serie Motels, del 1974, dove l’artista crea una serie fotografica durante un viaggio, seguendo un vecchio itinerario vacanziero estivo sulla statale 1 che collega Boston a Portland. Da una parte si percepisce una sorta di nostalgia vissuta dall’artista, dall’altra un’impressionante meticolosità nel catalogare gli esterni domestici.

Un’altra serie estremamente meticolosa è Food Still Lifes del 1978. In questo progetto, che si rifà all’estetica pubblicitaria del tempo, il cibo viene ordinato in maniera geometrica all’interno dei piatti e si fonde a sua volta con le texture di superfici e tovaglie. I colori accesi contribuiscono a dare un senso di artificiosità al cibo.

Al termine del corridoio si trova infine True Fiction Two del 2005. Per la realizzazione di questo progetto, Sandy Skoglund si serve del suo precedente progetto True Fiction del 1986 in cui svolgeva un’incursione nel mondo della grafica attraverso la stampa a trasferimento di colore. Nella versione del 2005, partendo dai negativi a colori delle fotografie, l’artista ha scansionato i negativi e realizzati dei collage di frammenti di queste in digitale, poi stampate a getto d’inchiostro.

Breve Biografia di Sandy Skoglund ^

Sandy Skoglund è nata nel settembre del 1946 in Massachusetts e nel 1972, dopo aver studiato arte all’università dell’Iowa e storia dell’arte alla Sorbona, si è trasferita a New York. Attualmente l’artista risiede a Jersey City in New Jersey.

L’opera che l’ha resa nota al grande pubblico è stata Radioactive Cats del 1980, nella quale un’ambientazione grigia è letteralmente invasa da gatti verdi.

Durante la sua carriera ha prodotto circa un’immagine all’anno, curandola nei minimi dettagli e occupandosi in prima persona di scenografia, scultura e installazione degli elementi, che ha poi sapientemente illuminato e fotografato facendone risaltare la luminosità.

Al percorso artistico Sandy Skoglund ha spesso affiancato quello dell’insegnamento: tra il 1973 al 1976 ha insegnato arte all’università di Hartford, mentre ora insegna installazioni artistiche e multimedia alla Rutgers University del New Jersey.